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绘画史论讲解细致入微，名作解读鞭辟入里，沉浸式体悟中国绘画，滋养美感； 绘画技巧、精美范画全视频呈现，零基础学绘画，于一笔一画间修炼沉稳心境。 两辑展示各朝代时期的代表性绘画作品，涉及绘画史论、作品解读。 大家都可以画 部分，其意义不止在于习画，也是对富有鲜明时代精神的艺术品深入体悟的过程，是美感的滋养，是沉静的修炼。绘画工具选用铅笔，内容循序渐进，其目的正是为实现大家都可以画，无论有无美术基础、无论年幼及长。
《美术史的基本概念：后期艺术风格发展的问题》是整个二十世纪美术史的三部核心经典之一，不仅美术史读者，也是其他人文学者的书，它对二十世纪美术史研究体系的构建产生了巨大而深远的影响。在二十世纪的西方学术界，除了贡布里希的《艺术的故事》，没有哪一部美术史著作能够望其项背；它在中国的影响，也超过了任何一部美术史或者美学方面的著作。
作为中国美术史领域国际著名的学者，巫鸿教授自上世纪开始尝试进行中西两种文化的转译，开启了一种新的中国艺术史写作范式。本书便是巫鸿30年来在哈佛和芝加哥大学给学生第一学期第一堂课的讲稿合集，希望中国读者可以通过他的眼光，重新发现和认识本国的艺术与文明。不同于以往的艺术史著作，作者用一种专题性的讲述方式，来代替以往以时间为线索的艺术发展史写作，并以深入浅出的语言，将作者思想中的每一个灵光，汇聚成一片星丛，在更为真实、开放的历史时空中展开。 《第一堂课》堪称中国版的《艺术的故事》，它以深入浅出的讲解，系统展示“中国美”的意蕴，带你领略中国艺术的至高境界。它是西方学子了解中国艺术史的“第一堂课”，也是艺术史初学者进入艺术殿堂的“第一堂课”，更是国人重新发现和认识中国文明的“第一堂课”。
本书稿是”'地区风格'的再议：晋东南地区古代视觉文化及物质文化研究“研讨会论文的结集，全书立足晋东南丰富的文物遗存，分建筑空间、造像风格、图像配置和区域传播四部分，探讨了晋东南地区石窟窟前建筑、宋金仿木构墓葬建筑、造像碑的“上党样式”、寺庙造像风格、图像所具有的地域特色以及区域传播与互动等问题，是对晋东南这一地区古代艺术中地方风格的集中讨论，对研究晋东南地区的区域文化、地方风格乃至交流互动等均具有极为重要的意义。
两宋时期，社会进步超乎想象，诸如民生与工艺、艺术与哲学、技术与商业无不粲然，域外史家谓之“近世”，或称“新社会”，在唐、五代的基础上，宋以文艺复兴，形成新的人文天际线。文艺复兴带来的审美自由，适合艺术蓬勃地生长，从五代、两宋开始，中国绘画才真正迈进独立的艺术门槛，中国山水画的兴起，尤其水墨山水的兴起，成为10世纪至13世纪中国文艺复兴的标志。本书按照历史顺序，分为五代、北宋和南宋三个时期，解读了近30位名家、近100幅传世经典画作，探究了山水、花鸟、人物三大绘画类别由技入艺以至于境的发展过程。创作体例上，赏析与评传结合；方法上，审美与思辨兼济，是作者在学术上的一次尝试。绘画史的陈述，需要思想史的提升，以及艺术哲学的陶冶，作者试图以此建构新的中国绘画史。读过本书，或许你会发现，去艺术中开
《作为探究的艺术:迈向艺术、科学与技术的新合作》由(荷)马尔哈·毕吉特著
在时间洪流中沉淀百年的植物与工艺之书新艺术大师莫里斯·皮亚尔-韦纳伊创作集植物装饰艺术之大成陶瓷、墙纸、梭织布、首饰工艺与金银细工……细数15种装饰工艺的传统面目鸢尾、百合、蒲公英、常春藤和雪花莲……唤醒70种植物形态的大师手绘在200多幅装饰设计案例中，见证植物从形态到纹饰的蜕变，领会装饰艺术家的通才与返璞归真百年前，工业运动已经兴起，但世界远没有现在流转得那么快。一位秉持着“手工”与“自然”信念的艺术家，在老师的工作室里苦学多年、也独立创作多年后，决定为手工艺撰写一本书，为以自然为归属的装饰艺术撰写一本总结性的著作。他希望有人能够记住在工业之前手工艺的面目，更希望他们一代一代之间传承的、对家与自然的信念在加速演变的世界中仍能为人的生活带来宁静和滋养。他行走在乡间、在庭院，细细描摹自
北宋青绿山水巨作《千里江山图》是首屈一指的国宝名画，全卷不仅营造了一个宏大广阔的山水世界，而且画出许许多多扎实的细节，使画卷不仅具有深邃的哲学内涵，而且充满极其微妙的情味。《千里江山图》的颜色尤其令人惊叹：青绿与金黄交相辉映，既璀璨又沉着，既清纯又辉煌，青春的激情与理想的秩序和谐共生，既愉悦眼目，又表达着丰富的精神意义。《千里江山图》的传奇色彩也使人着迷：画家“希孟”完成画作时年仅十八岁，画家的年龄与画卷的宏大、深邃形成强烈反差，使画卷笼罩着一种神秘气息。
本书将伊朗艺术分成三个历史部分，第一部分由两个章节组成，讲述了伊斯兰产生前的伊朗艺术，这一部分聚焦于伊朗古代建筑、浮雕、雕塑、地毯、编织、音乐等；第二部分探讨了伊斯兰教诞生以来至伊斯兰革命前的伊朗艺术;第三部分专门介绍伊斯兰革命胜利以来的伊朗艺术，主要涉及建筑、城市建设、视觉艺术、传统艺术、电影和编织艺术的发展和变化。
本书计划以具体的艺术家和生动的艺术作品为主要侧重点，辅助讲述形成当代艺术现状的重要艺术运动与艺术思潮，从形象、声音、颜色、身体、数码技术和网络等几大创作媒介着手，讨论和介绍当代艺术中的一批新作品、新问题、新手段。通过作者对艺术品的创作、艺术家的个人故事、审美观念的演变这些问题深入浅出的具体阐述，读者将会看到当代艺术的活力、思考和创意，体会到当代艺术与我们日常生活的具体联系，破除关于当代艺术的迷思与偏见，从而真正感受到艺术的无穷力量。
中国古代艺术与哲学血肉相联，天真是其本心，自由是其追求。本书尝试从诗性与哲学的“美的联结”这一结点对艺术作品进行解读，探索中国古代艺术及其背后时代精神与象征，以及中国艺术何以具有其独特的表现形式，通读全书，可以帮助读者再最短的时间建立起一个可以自足中国古代艺术脉络，并对了解每一个时代的精神有所启发。书中涉及的时间跨度极大，全书共12章，上启初民时代，下至明清，选取了不同时期的工艺品、艺术品200余件，其中唐代之前多以工艺艺术为主，如贾湖骨笛、后母戊大方鼎、秦之兵马俑、汉之舞乐俑等，唐及以后多以文人艺术为主，如《韩熙载夜宴图》《千里江山图》《富春山居图》及书法，等等。注释是本书的重要组成部分，是对正文的延展，本书插图所配文物照片均有百万粉丝大V动脉影操刀拍摄，正文、注释、插图三者构成
维米尔作品中的很多形象都是今天家喻户晓的经典，他在绘画中对光线、体积、空间的独到塑造与表达已经成为现今美术教育的典范，且对中国当代油画的发展产生了重要影响。 本书立足图像，选取维米尔不同时期、不同风格、不同题材的代表作品，举例分析，将绘画性与叙事性两个角度的分别研究糅进每张作品的分析中，兼及图像学、社会学的研究方法，也试图运用比较分析的方法与实验考古方法，进而还原一个真实的维米尔。 本书是到目前为止中国学者对于维米尔绘画艺术最详尽的整理、综合和讨论。本书的资料性和学术性都很强，无论是对实践者还是研究者。希望这本书成为中国读者了解、研究维米尔的重要参考资料。
《于右任书联集锦》一书由西安于右任故居纪念馆馆长、陕西省于右任书法学会副会长、于右任先生侄孙女于媛主编，霍松林教授撰序，收集了于右任先生精品书联150余幅，其中有65幅在国内刊物上从未发表过，还有10幅作品于本书中首次披露。该书还收集了于右任先生撰写的著名爱国诗作《望大陆》原作影印件，以及于右任先生于1961年书写的标准草书《千字文》和至今专享发现的篆书、隶书对联，还有于右任先生的人物和兰草等绘画作品。
民间美术是中华民族传统美术的宝库，历史悠久、种类繁多、文化内涵深厚，是美术教育教学必不可少的内容。《民间美术进课堂——小学美术创意课程68例》分享了近几年来山东省潍坊市诸多优秀老师们的教学成果。本书分别从民间绘画、民间剪纸、民间捏塑和民间手工艺等几个模块确定开发方向。书中课例是教师利用在潍坊市范围内搜集到的民间美术文化资源进行开发的。课例的重点放在教学的趣味导入及技法的艺术表现性上，而非技法的机械运用。形式新颖且简明易懂的教学过程及示范，有利于老师根据孩子们的对民间美术的认知和兴趣进行有针对性的教学辅导，并加以拓展发挥。近几年的课堂实践探索表明，民间美术元素融合美术课程的创意实践能更新教师传统教学观念，提高教师的业务水平和教科研能力。把民间美术融入美术课堂，以课程的方式让孩子
《中国画审美形态论》本书着眼于对中国画的审美语言结构展开深入剖析，对中国绘画的笔墨内涵、色彩品格、造型法则、构图章法原则进行了初步考察，并对这些问题和相关概念的缘起和思想渊源展开了力所能及的探究，这只是中国绘画理论审美形态（或体系）的一个判断部分，也就是所谓的中国画的审美语言结构，从中国绘画理论中提取出来并加以重新建构，在新的时代条件下，以新的事业和新的逻辑构造将其再度串联起来，从而确立一个更加完备的绘画思想体系。
本书是著名美术史家、艺评家、策展人巫鸿主持编著的“中国材质艺术”丛书第一辑。该丛书通过专题分析的方式，针对中国艺术中的各种材质，展示不同材料的开发和使用在中国美术史中的重要性，探索这些材料所承载的历史、文化、宗教、政治、性别和思想上的含义。本辑涵盖了中国美术史的全过程，从史前时代到当代艺术，分别聚焦于史前玉器和特殊陶器、中古时期以不同材质制作的造像、物质文化与视觉文化中对玻璃的使用、瓷的材质性和清代皇家的瓷器制作，以及当代中国艺术中的“材质艺术”潮流。由此开启一个从“材质”角度研讨中国艺术的小型系列。
为什么我们会一次次重回到某些画作前？ 我们到底在寻找什么？ 在这一次次反复观赏中，我们对这幅画的理解都发生了哪些变化？ 本书中，英国艺术史学家T.J.克拉克提出这些问题，打开了一个全新的艺术欣赏领域。他以17世纪法国古典主义画派代表人物尼古拉斯·普桑的两幅油画作品《宁静的风景》与《画有被蛇咬死的男人的风景》为对象，深入、细致地研究揣摩。本书有别于通常的章节清晰、体系完整的美术研究专著，创造性地以日记体的形式呈现，记录了作者日复一日对两幅作品进行观察的诸多微妙感受。文体新颖，极富先锋性。
面对莱奥纳多？达？芬奇，赞赏始终伴随着困惑。要想使他具有至少像小说主人公那般确凿完整的故事，只能够求助于包括后来种种私底秘传和弗洛伊德式生发的“莱奥纳多神话”。 莱奥纳多？达？芬奇的《绘画论》作为经典，数世纪以来得到广泛流传和深入研究。我们在他的《绘画论》中，会找到富于想象、热情洋溢、甚至有点说谎成癖的段落；他用极富感染力的言词，明确指出艺术与生活的密切联系，在声讨消极和狭隘时，开创了画家的“精神分析”。 《绘画论》出现的诸多版本当中，首推法国艺术史大家安德烈？夏斯泰尔的译本，他根据达？芬奇手稿应有的内在逻辑，对早先《绘画论》的内容分类编排，加以重新调整，使之 接近达？芬奇原著的主旨——“绘画学存在于构思它的思想里，然后才由此产生比上述理论或科学 高尚的实践。”
