这是由首屈一指的艺术出版机构英国费顿出版社 编著的经典作品《时尚之书》的全新修订版,沿袭畅销 20 年的经典版本的风格,跨越两个世纪,遴选奥黛丽 赫本、碧姬 芭铎、卡尔文 克莱因、香奈儿、圣罗朗、阿玛尼、理查德 埃夫登等 570 多个时尚大咖、设计巨匠、摄影师、时尚品牌的故事,以全新的视角详实讲述潮流的兴起和时尚的变迁。书后附有更新版大事年表和清晰的交叉参照系统,为读者带来欲望都市、穿普拉达的恶魔、嘎嘎小姐、Mana等时尚界的新名字,以富于灵感与魅力的图文展现了 200 年来人类追求优雅与美丽的恢弘画卷,对时尚爱好者来说,这无疑是一本不可错过的 时尚经典 。
打卡过万众瞩目的艺术展,就以为自己欣赏到了传世名作的精妙;去米其林餐厅大快朵颐,就以为自己获得了舌尖上的极致享受;对网络上的热门事件津津乐道,就以为世界尽在掌握。我们不知道的是,随年岁渐长,我们逐渐失去了自己的视角和思维方式。 毕加索说: 每个孩子都是天生的艺术家,问题是如何在长大之后仍然保持这种天赋。 美术如何悄然从孩子们喜欢的科目,逐渐变得无足轻重,直到远离生活呢?这个节点是在13岁左右 人们开始关注自己画得好不好,因为受到打击而与艺术绝缘。 作者精心挑选6幅现代艺术的代表作,提炼出艺术思维的本质:以自己内在的兴趣为基础,用自己的视角理解世界,按照自己的方式不断探索。 艺术思维才是成年人应该重修的科目,幸好,艺术思维并不难得,那是人类天生的思维方式,我们只要重返13岁,重拾好奇心和
重磅推荐: 《不是天才-当代艺术家们的故事》是苏也讲解当代艺术的作品,作者以一种直观的理解,带我们走进当代艺术深处,理解当代艺术存在的争议却又不断受到赞誉的背后故事,也希望本书能够成为当代艺术话题的开头,引发每个人的关注与思考,为对当代艺术抱有兴趣的读者提供一份直观的当代艺术观看指南,吸引更多的人对当代艺术产生兴趣及好奇心。 作者对当代艺术的解读并不仅仅局限于理论,更有参加过多次迈阿密巴塞尔艺术展及参观各地的博物馆、美术馆和画廊的直观感受。通过阅读本书,你将了解当代艺术的生命是由每一个人创造的,包括艺术从业者,更包括普通人。当代艺术家不仅要记录新的时代,更需要使用新的技术、新的语言、新的手段去表达和再现我们生活的世界。
《拉鲁斯艺术启蒙课》是由拉鲁斯出版社旗下的主打轻阅读的小拉鲁斯出版社出品,是一本全方位展现西方艺术史的艺术普及图书。 本书以7堂艺术启蒙课为主题,分别是: 公元前40000 前400年:文字的发明 400 1450年:一部属于所有人的《圣经》 1450 1600年 印刷术蓬勃发展的时代 1600 1793年:艺术黄金时代 1793 1902年:卢浮宫成为博物馆 1902 1945年:第七艺术出现 1945年至今:*部电脑的面世 这7堂课的内容囊括40000年艺术长河中90位重量级大师,全景展现了西方艺术史的全部精华。每一堂课都包含了该时期的著名的艺术流派或艺术大师。是孩子理解艺术的启蒙读物。
《当代艺术的主题(1980年以后的视觉艺术)》(作者简·罗伯森、克雷格·迈克丹尼尔),聚焦于过去30年间反复出现的七大重要王题:身份、身体、时间、场所、语言、科学与精神性。 章 提供了对该阶段世界当代艺术的个简明的概括,分析了五种关键性的变化(新蜾介的兴起、对多样性的日益关注、 化、理论的影响以及与日常视觉文化的互动)如伺导致了艺术世界边界的急剧拓展。接下来的七章 ,每一章 部介绍了各个王题:提供了对该主题的历史影响的纵览:详尽地分析了当代艺术家们是如何在具体的作品里对该主题作出回应和表现的: 是两位在其作品里广泛探索过谚王题的当代艺术家的档案。 《当代艺术的主题(1980年以后的视觉艺术)》第二版分析了来自各种不同种族、文化和地理背帚的艺术家(包括将近20位中国当代艺术家)的大量材料、技法、理论观点和风
在全国艺术硕士专业学位教育指导委员会推动和组织下,汇集了全国各艺术学科的专业编写了这部书。《艺术学基础知识(新版)》涵盖了音乐、戏剧、戏曲、电影、广播电视、舞蹈、美术和艺术设计八大艺术门类,内容包括了这八个门类各自发展的历史线索、构成的基本元素和常用的技术手段、主要体裁、艺术流派和各个时代的名家名作,是一部帮助人们初步了解这些艺术的工具书。 《艺术学基础知识(新版)》的首要目的就是能给全国艺术硕士的考生提供一本准备“入学资格考试”(初试)的推荐用书。
《艺术与物性(论文与评论集)》是美国当代杰出的艺术史家和艺术批评家迈克尔·弗雷德的艺术评论文集。他的艺术批评构成了晚期现代主义的核心文本,包括为“三位美国画家展”所写的雄心勃勃的导论,初步反思极简主义的《形状之为形式》,代表其批评 的《莫里斯·路易斯》,以及划时代的《艺木与物性》。这些论文不仅确立了了里解盛期和晚期现代主义的基本术语,而且也开启了批判美国极简主义艺术的大门,直到 它们仍在激发人们关于视觉艺术中的现代主义与后现代主义的论战。 《艺术与物性(论文与评论集)》此中译本根据芝加哥大学出版社1998年版译出。 在长达74页的导论与新近撰写的“中文版序”中,弗雷德详尽地回顾了自己的艺术批评生涯,澄清了广泛的议题,尤其是阐述了他与格林伯格的现代主义理论的主要分歧,明确了他的艺术批评
有名传统色彩研究学者曾启雄教授,毕三十年之功潜心钻研古代东方色彩,通过大量的考察、记录、实践,联结起历史和传说、技术和材料、典籍传承和东西方交流等,梳理中国传统色彩文化的脉络,追寻中华民族绚丽多姿的色彩文化,回溯中国人的色彩美学传统。全书以古典色彩为线索,从中国传统药书、博物书中爬梳整理古典染色材料和颜料、颜色名称等内容,深入研究色彩和材料的关系、染色工艺的色彩表现和技术复原等,并结合实际染色的实践经验,尽可能地还原传统色彩的面貌。除此之外,书中还记录了作者亲自寻找植物、反复实验的内容,他将这些传统色彩染色的奥秘毫无保留地分享给读者,为现代染色提供了宝贵的资料。
《苹果集——设计文化论》系柳冠中先生40年来在设计研究领域辛劳播耕、艰苦求索、果敢采撷的智慧之果,该书以论述工业设计的概念、意义及基本方法论为起点,进而以揭示人类不同文明阶段的表、中、深层文化结构为线索,对工艺美术与工业设计、工业化社会、信息社会与工业设计作了鞭辟入里的论述,提出设计是“协调人—产品—环境”三者关系的创造活动,设计是“创造新的使用方式”以及“共生美学观”等新颖、深刻、 创造性的思想。同时又将系统的理论阐述、作者本人设计实例以及 外设计实例的剖析,相渗相溶,构筑起一个坚实而有说服力的思想体系。
艺术作品是如何创作出来的? 为什么有些创作和作品会半途而废? 对创作失败的恐惧必然导致创作的失败吗? 导致创作者放弃创作的那些困难的本质是什么? 从麦尔维尔到纳博科夫,从维米尔到怀斯,从巴赫到斯特拉文斯基……这些问题困扰着历代需要跳出盒子思考的创作者。本书作者——两名摄影家——从创造性工作内部讲起,详述如何一步步突破前人成就,如何规避一个个思维和心理陷阱,如何独辟蹊径,开创属于自己的风格,以完成世上樶艰难的创意性活动——艺术创作。
乔纳森·克拉里著的《知觉的悬置(注意力景观与现代文化)》考察了现代注意力的悖论性质,一方面它是个人自由、创造力与经验的根本条件;另一方面,它又是经济及规训体制有效发挥效力的核心因素。克拉里论证了我们有意识地观看或聆听事务的方式,来自人类知觉性质的关键性演变,这一演变可以追溯到19世纪下半叶。那时绘画艺术的发展(特别以马奈、修拉和塞尚的作品为例)深深地卷进了欧洲视觉机制的这场深刻变革。
《现代艺术:19与20世纪》呈现了夏皮罗奉献于本主题研究的长期而卓有成效的岁月的结晶。此书的范围可以从其论文丰富而迷人的多样性中反映出来。 被认为是其“炫技式表演”的《塞尚的苹果:论静物画的意义》,探讨了塞尚对苹果的再现,将它视为一个持久的主题,暗示了画家一种潜在的 感受,以及被压抑的欲望的无意识象征。艺术社会史研究的名篇《库尔贝与大众图像》,则将库尔贝置于描绘历史题材的那些博学的艺术家,向19世纪下半叶描绘“眼晴所见”的写实主义画家过渡的历史背景中。《军械库展览》、《抽象艺术》等论文则分析了现代艺术在美国的引进,考察了纽约“抽象表现主义”画派,以及新的抽象形式的理念和社会意义。由于夏皮罗将他早年在对中世纪艺术的图像学研究中所接受的训练,与现代形式分析、精神分析、艺术社会史等方法
这是一本定位于“轻阅读”的文化普及图书。作者长期沉浸于中国传统绘画领域,精心甄选中国历代名家绘画代表作进行解读。100幅古画名作,100篇千字短文。文章富有知识性、文学性、趣味性,给读者带来审美享受的同时,又有精神上的启悟。 从某一角度说,这是可读性极强的中国绘画史。从魏晋到清末民初,在轻快的短篇幅中,作者将画作产生的社会背景、政治环境、画派特点、源流及画家性情等巧妙糅合其中,资料翔实严谨,行文晓畅优美。
《实在的回归(世纪末的前卫艺术)》是美国当代看名艺术批评家和艺术史家哈尔·福斯特的批评论文集,广泛而深刻地探究了多种艺术现象和理论模型。 作为后现代批评家的代表人物,福斯特认为,新前卫艺术不是对历史前卫艺术的简单模仿或重复,后现代主义也 非对现代主义的简单突破或决裂。相反,在过去和当下之间有一种复杂的辩证关系,一种延迟效应(精神分析中的后遗效应)。 本书的 章论证了新前卫艺术对于历史前卫的延迟效应,在这一铺垫之后,第二章立即提出了一种以极简王义与波普为核心的当代艺术谱系,之后的章节则讨论了当代艺术实践中的语言学转向、犬懦理性、对“实在”的表现和人类学转向等。本书运用文学、哲学和心理学的前沿理论来解读林林总总、光怪陆离的艺术现象,展现了20世纪的创新艺术和理论之间的夏杂纠葛。尤其是