巫鸿新作，在哈佛大学和芝加哥大学多年开设的艺术史课程，以及2016 年牛津大学斯雷特系列讲座（ Feminine Space: An Untold Story of Chinese Pictorial Art ）基础上修订而成 。 巫鸿引入 女性空 间 作为讨论的核心， 围绕 女性空间 ，梳理了从战国到明清各个历史阶段中女性主题绘画的发展 状况 从武梁祠的列女画像砖到南北朝的《洛神赋图》，从青楼名妓的自我表现到展现理想化美人的《十二美人图》，以图文 并茂的方式，展现 女性 在各种绘画场景和时代中的不同呈现，重构其所从属的原境；结合艺术评论、时代背景等因素，挖掘作品背后审美价值和商业价值的相互影响，以及女性题材绘画 在社会、宗教与文化环境中的意义。全书侧重于经典作品的细节分析，以 女性空间 为线索，串起一部别样的中国绘画史。
108幅敦煌壁画彩塑摹绘，37座洞窟，12段历史与艺术的时空交集 72例敦煌色搭配范式，以永恒的中国传统色彩，呈现千载敦煌与古典中国的美学历程 提起敦煌，唇齿间就自然碰撞出飞天与藻井、卷草与神鹿。作为美的极致，或许我们从未掌握解读敦煌的秘钥。 敦煌，本是由色彩构成的奇迹。暗红、灰青的底色堆叠闪亮的金青，玉白的色彩浮现于土红的泥板，红与黑，白与绿，勾画出绀发翠眉的菩萨、高绿下赪的山水。有限的色系经由同色与异色的组合，或对比、或调和，终形成无数种敦煌色彩的搭配范式。它们绘制出交缠千年的天人与花雨、黄沙淹没的传说与史迹，于今日给我们带来美学与心灵的震撼。 穿过时间的轴线，敦煌色彩被时代赋予不同的面目，西魏时期群青、石绿、大红铺色明亮，是与西域绘画碰撞出的潇洒风情；将视点缩小至活跃在敦煌的生民，
《人造地狱》是关于社会投入的参与式艺术的第一部历史性和理论性概述，在美国称为“社会实践”。克莱尔· 毕肖普探索二十世纪的艺术轨迹，检视参与式美学发展中的各个关键时期。这个旅程遍历了未来主义和达达派;情境主义国际;东欧、阿根廷和巴黎的偶发艺术; 1970年代的社区艺术运动;以及艺术家安置团体。它以当代艺术家倡议的长期性教育计划作结，例如赫胥宏、布鲁格拉、阿塔莫和陈佩之。自从2006年在《艺术论坛》(Artforum)发表的争议性论文以来，毕肖普一直是少数勇于挑战参与式艺术的政治和美学野心的人。在《人造地狱》里，她不仅仔细检查这些计划的解放性主张，对于这些艺术作品所引发的伦理(而非美学)判准，她更提出了替代方案。《人造地狱》呼吁一个关于艺术和政治没有那么规范性的进路，提出一个更引人入胜的、让人不安的、大胆的参与式
一幅画的细节中隐藏着作者试图传递的 私人密码 。这些密码呈现的丰富信息是画家对细读之人的 回报 ，它悄悄影响着观者与画面的互动以及对它的理解。通过细节把握绘画可使惯性思维中不为人所见的信息显露出来。 一个脱离了原先画面、独自出现在人们眼前的细节，可以引发人们对艺术史业已形成的基本概念的怀疑： 它们是什么？为何出现在这里？ 本书即是著名艺术史家阿拉斯从细节角度 破译 大师之作的一种充满想象力的探索，从达 芬奇到马奈，从中世纪教堂到布面油画 诚如作者所言，这是一部从 近处 着眼的西方绘画史，作为回报，那些于近观处闪闪发光的 细节 也会给读者带来顿悟般的 惊奇之感 。
同声相应，同气相求，忽蒙友好相告，山东省农业科学院研究所赵传集先生早在十余年前已撰文考证张万钟事略并注释、今译《鸽经》，分别刊载于1986年3月上海《中华信鸽》杂志及1986年至1987年成都《鸽友》杂志。驰书求示所作，不仅注译详审，且有《中国养鸽史》、《张万钟生平考》两文，真可谓先得我心。因而献议曷不《鸽经》在前，《鸽谱》居后，两人分别撰述，合成一函。承蒙欣然概允，并重新修订注译旧稿。襄虽老眼昏眊，亦尽数月之力，草成《鸽谱叙录》、《鸽谱图说》两篇。此后影印《鸽谱》彩图，以拙作《鸽话》为殿。
传统美术史的概念需要不断更新，作品的概念可能也要不断改变，甚至放大。我有一种感觉，以后的学者可能只关注研究的问题是不是学术上的进展，而不太关注门类，即到底是社会学、哲学史、文学史，还是美术史。 我的目标是促进整个中国艺术史的研究。这些事情很迫切。如果接下来我们着重研究中国和外部互动中的那些中间环节，以后的学术模式可能会发生改变，不再是西方人提问题中国人回答，而是中国学者不断提出新的问题并引发全球的学者回答。到那时候，中国学术的生产时期就真正到来了。 尹吉男 清理习见，改变思考古代图像史的方法。 《知识生成的图像史》汇集了尹吉男关于顾恺之、董源、谢环及《杏园雅集图》等美术史上重要画家、作品的个案研究，以及此前积累的多篇中国书画鉴定学研读札记，几乎每篇都引起相当的反响，并
威廉 透纳以擅于描绘壮丽景色和捕捉光、空气、水之间的微妙关系而闻名，被视为现代艺术的奠基者。可他对后世的影响绝不仅仅限于技巧层面，可谓与莎士比亚并肩的文豪。透纳的一生，经历了18 19世纪欧洲社会的动荡与大英帝国的兴衰；他的画作，或隐或显地反映着时代的重大事件，揭示出画家内心对西方文明体系以及人类未来的前瞻性理解。
中国晚期绘画整体看来是呈点状分布，常在交接处或转捩阶段消失，如果把它们当做一连串的个别现象是看不出端倪的，必须放在历史的脉络中，才能发现那是大范围中国文化史的一部分。 高居翰 针对宋代以后中国绘画发展停滞说，高居翰开启了他的晚期绘画史写作计划。三联版 中国古代晚期绘画史 （元、明、清）所呈现的，是他将中国绘画视为一个有机体而作的宏观式思考。在近四十年的研求体察中，高居翰凭借自身独特的阅画经验与极富才情的历史洞察力，孜孜不倦地探索晚期绘画史的本质性问题，以令人尊敬的雄心抱负与坚实努力，达至海外绘画史研究的高峰。几番理论思潮后，让我们重温高居翰的耕耘与贡献。
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高居翰中国晚期绘画史收官之作，离开其浸研多年的文人画，将注意力集中在传统画论和收藏家不屑一顾的 世俗画 （vernacular painting），是其晚期学术转型的代表作。 中国传统画论奉文人山水画为圭臬，将受主顾委托而创作的 世俗画 视为匠人之作，而非 艺术品 ，世俗画及其作者也因此少有文字记载。高居翰认为，这些 失语 的、鲜有人关注的世俗画，值得更严肃的研究，也是打开艺术史研究面向的新兴资源。 《致用与娱情》通过对120余幅盛清时的世俗绘画进行视觉研究与风格分析，说明正是美人、春宫、家庆、祝寿等中国主流艺术史之外的 另类 世俗题材，在盛清时通过积极吸收西洋技法、融合南北宗的画风，创造了新的绘画方式与程式。通过挖掘世俗画在艺术史上的价值，作者打破文人山水画主导的中国绘画史叙事，丰富了中国绘画史的样貌。此外，作者还
《温迪嬷嬷讲述绘画的故事(修订袖珍版)》深入分析三十余幅巨作,包括波提切利的《维纳斯的诞生》、伦勃朗的《犹太新娘》、莫奈的《莲池》、凡 高的《自画像》等。由画面放大的局部深入大师的精神世界,揭示作品底蕴,解释绘画技巧。简明扼要,娓娓道来,温雅隽永,耐人寻味,温迪嬤嬤的《绘画的故事》将你引上一段奇妙的文化旅程。帮你理解、欣赏伟大的艺术。
本书通过对百幅日本经典浮世绘的解读，为读者理解日本美学提供新的角度和切面。书中重点介绍了铃木春信、喜多川歌麿、葛饰北斋、歌川广重这四位浮世绘主要代表人物的百幅画作，通过分析这些浮世绘的用色、笔触、主题等，深度解析了日本人对于美的理解，同时也在美学之外对日本文化进行了挖掘。
伟大的艺术品背后，总有鲜为人知的故事与传奇。在《 的无名者》中，作者玛丽-伊莎贝尔·塔代伊以生动的笔触，带我们重新认识那些被名画所掩盖的模特们：从波提切利的《维纳斯的诞生》到毕加索的《哭泣的女人》，从文艺复兴到现代主义，这些作品的光芒让模特的存在逐渐模糊，但他们的生命却同样精彩纷呈。 作者以细腻的讲述，追溯这些模特非凡甚至悲壮的人生轨迹：他们可能是艺术家的缪斯，可能是被时代忽略的平凡人，但他们无一例外地为这些艺术瑰宝注入了灵魂与生命力。这不仅是一部对艺术史的致敬， 是一场对人性与历史的深度探索。
本书是陈师曾先生1922年在济南主讲 中国美术小史 课程的讲座记录稿，原稿为文言文，为便于读者阅读方便，特延请中央美术学院专业老师将全书译成了白话文，作序导读，并专文介绍陈师曾这一经典名著的当代价值。 全书从远古时期文字与绘画的起源说起，梳理先秦到清代中国画的发展脉络、技法沿革、题材变迁，以及重要的画派、画家等，内容提纲挈领，文字简明扼要，是中国绘画史的开山之作和入门经典。作者用他的绘画观念 绘画史是文化史的一部分，对中国的绘画史做了一个梳理，通过这本书，我们可以很快地将中国绘画史的脉络捋清楚。 全书所配近400幅高清传世名画并将局部放大，经由设计师展现名画细部，让你真正看清中国绘画的线条、色彩、构图、意境之美；排版局部剪裁别具匠心，对每一幅画的分割都做了慎重考虑。特别适合对中国文化、中
《江岸送别》包含一段自成首尾的中国绘画发展段落，始于明初，终于十六世纪末，此时引领明代画坛的风潮似乎已有疲态，正是革故鼎新的好时机。 我在撰写《江岸送别》时，已经变得比较专注于其他的问题，譬如，注意到了以地方派别来归类艺术家的重要性；职业画家与业余画家分野的复杂性；以及在明代画家的社会地位与其画作题材和风格之间，我看到了一些明确的相关性。 高居翰 明代初期与中期，服务于南北两京的宫廷院画家以及活跃于浙江、福建和其他地区的画派，复兴了宋代所建立的职业绘画传统。其后，继承衣钵的画家们笼统地构成后来所谓的浙派。无独有偶，元代大家所形成的业余绘画传统，也在经历了约百年的沉寂之后由苏州画家沈周复兴，中国史家均以他为吴派始祖。然而明代的政治氛围和经济环境深刻地影响了明代艺术的走向，
我们正是在特具原创性的中国作品里，看出画家受所接触的西洋画影响；甚至说得更确切一点，西洋影响还似乎正是造成其原创特质的重要激素之一。中国的绘画传统太健康、太肯定自己的自足性，故而难为外来的入侵文化所湮没。人类学家的刺激扩散效应观念（stimulus diffusion）或许最能够用来形容中国画史上的这种反应：本土文化撷取了外来的理念与模式，然却赋予其一个新且本土化的内涵，如此，本土文化便被驱向了一个它原先不会发展的方向。 发现西洋画与自己北宋时期的山水画有着某种神秘的相似之处，这种认知必定使中国人的注意力再度集中于中国传统中此一段久已为人忽略的篇章。一个绘画主体根深蒂固在中国自己的历史传统之中，而另一个主体则源自中国以外的时空领域，蓦然地在此时同现于中国的土地之上。所有这一切都在一时之间，回流到
大卫·霍克尼与艺术评论家马丁·盖福德合作，共同探索人类在历史上如何制作图画以及为什么要制作图画。凭借大半生从事绘画、素描及使用相机制像所掌握的知识和所具备的热情，霍克尼与马丁·盖福德将丰富的图像并置在一起，从迪斯尼动画片的定格画面到歌川广重的日本木版画，从爱森斯坦执导的电影剧照到委拉斯开兹的油画，两位作者跨越了通常横亘在高雅文化与通俗娱乐之间的界限，并将不同时代和媒介别开生面地联系在一起。本书以霍克尼里程碑式的著作《隐秘的知识——重新发现西方绘画大师的失传技艺》为基础，两位作者进一步提出电影、摄影、绘画和素描之间具有深刻的内在联系，富于洞见、发人深省，对认识人类如何再现现实裨益良多。
