一本由国家大剧院歌剧制作人写给大家的歌剧答案之书，是从文本到剧场，兼具学术与实践双重视野的难得之作。 本书面向可能走进歌剧院的每一个读者，以作者本人丰富的歌剧观演、制作经验为基础，以戏剧 情境 理论为依托，以瓦格纳的经典歌剧《尼伯龙根的指环》为对象，解答 什么是歌剧 、 当我们观看歌剧时，我们看什么 、 瓦格纳的 乐剧 创举何如 等话题，力求从理论和经验两个层面越过屏障，为读者畅通欣赏歌剧、理解歌剧的路径，进而带我们领略这一综合性剧场艺术经久不衰的魅力。
本书考察了20世纪上半叶现代舞的发展历程。从*代现代舞者玛莎 格雷厄姆到50年代的阿尔文 艾利，作者清晰地展示了现代舞是如何诞生、发展以及确立其在现代艺术中的地位的。现代舞发端于20世纪初，*初的参与主体是白人女性（大部分为犹太人）、男同性恋者和非洲裔美国人，他们是20世纪初美国社会的边缘人群。正是这一因素决定了：从诞生之初，现代舞的艺术诉求和表达方式就与社会和政治有着千丝万缕的联系。现代舞者用身体发表着对于性别歧视、种族歧视以及各种社会偏见的强烈抗议 从 艺术为谁服务？艺术的社会功能是什么？ 到 怎样通过舞蹈来表现美国和美国人？身为一名美国人意味着什么？ 二战 之后，随着美国社会的繁荣发展，现代舞的政治诉求逐渐让位于纯粹的美学原则，并放下对抗性的姿态，与百老汇舞蹈和芭蕾舞等艺术类型进行了融合。
由郭鹏和吴寒冰编著的《音乐剧与流行演唱实用教材》根据教学实践，针对音乐剧演唱的特点精选100首具有训练价值的中文歌曲编写而成。每一首作品都编写正式的钢琴伴奏乐谱，使演唱者们能够更好地理解和完成歌曲。《音乐剧与流行演唱实用教材》为解决音乐剧演员演唱中文作品的技能技巧提供曲目参考，填补了音乐剧演唱教学中的中文教材空缺。
本书的编著也是基于笔者多年以来参与四川传媒学院舞蹈编导专业建设，以及担任“舞台表演理论”“剧目排练”“舞蹈编导基础理论”“舞台导演”几门课程教学的总结和思考。舞蹈是表演的艺术，同时更是创作的艺术，舞蹈作品给舞蹈演员提供了表现平台，舞蹈表演者的表现力有效地传达出舞蹈作品的艺术感觉及内涵，确切地说，舞蹈作为综合性舞台肢体表现艺术，是创作和表演各有亮点又相互依托的艺术。
2019是个特殊的年份，是个重大时间节点，也是戏剧世代交替尤为显著的一年。《2019戏剧年刊》既回望历史，亦观照当下。新中国成立七十年来，中国戏剧在剧烈社会变革的洪流里以异常敏感的触角在主题、观念、手法、风格及市场运营上不断探索、实践、创新，回应时代与现实的召唤，赓续传统，推陈出新；与西潮互动，在否定和自我解放中寻求突破、超越，走向成熟和多元。 本书第一部分论文多角度梳理了七十年来戏剧的发展历程，在第二、三、四部分，多位研究者通过细致入微的观察和思考，对2019年中国话剧、戏曲创作及中外交流中的“热闹”与“问题”，“丰赡”与“匮乏”进行了深刻评析。书末附录列出2019年北京的戏剧演出信息。
本书在写作中重视史料 的发掘，期望通过对代表剧 作的时代背景、创作过程、 演出情形等历史细节的回顾 ，真实地展现中国革命戏剧 的发生现场，使新时代的读 者真切地感受到革命文化精 神艰难而又坚定的发展历程 。
这是一本快速浏览世界经典音乐剧的指南，涵盖了来自英国、美国、法国、德奥、俄罗斯等多个音乐剧原创大国的代表作，其中既有常演不衰的音乐剧经典（如《剧院魅影》《伊丽莎白》），也有近年来引领潮流的新作（如《汉
本书是我国有关大型晚会的专业用书。作者吕艺生凭借丰富的实践积累和同行们提出的宝贵意见，对大型晚会的有关问题进行了全方位的总结与阐述内容丰富，资料详实，可读性强。本书内容涉及大型晚会策划、创意、结构、台本与串词的撰写、编排的艺术手法等。不仅对其复出并繁荣的历史原因进行了理论分析，还对编创人员的构成、创作排演队伍的组织、生产指挥以及营销等进行了全面探讨。可作为编导、舞美设计、作曲家、撰稿者以及大型晚会组织者们的参考用书。
本书是我国有关大型晚会的专业用书。作者吕艺生凭借丰富的实践积累和同行们提出的宝贵意见，对大型晚会的有关问题进行了全方位的总结与阐述内容丰富，资料详实，可读性强。本书内容涉及大型晚会策划、创意、结构、台本与串词的撰写、编排的艺术手法等。不仅对其复出并繁荣的历史原因进行了理论分析，还对编创人员的构成、创作排演队伍的组织、生产指挥以及营销等进行了全面探讨。可作为编导、舞美设计、作曲家、撰稿者以及大型晚会组织者们的参考用书。
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本书稿为“闽派批评新锐丛书”第二辑中的一本。作者白勇华针对当下戏剧文学存在的现象, 从戏曲艺术传承、现代化实践、地方戏曲流变等角度去分析, 指出了传承和变革中的一些问题, 提出了一些独到的解决方法。特别是对福建当地戏剧文学, 如高甲戏、南派戏等, 他更做出了专门研究。
本教材讨论戏剧典籍英译，其中所选文本均为影响力较大的名家译文。选材在文本用途方面涵盖戏剧的文学文本和表演文本；在文本形式方面涵盖宋元南戏、元代杂剧、明清传奇、清代花部等基本形式；翻译讨论的关注点和视角包括戏剧英译中的体制和语体（如韵体与散体、高雅与通俗）、译本的副文本、译本的传播、中国英语特色等。
本书旨在通过对昆剧表演艺术演进历史的梳理，分析其产生变化的内在动力，并试图总结出昆剧表演演变的一些具有共性的内容。特别是在当前昆剧具有了“非物质文化遗产”和现时艺术形态双重身份的情况下，通过对昆剧表演艺术形成、演进、美学品格等多方面的研究，以求准确把握这门古老艺术的核心特质和艺术价值，进而考察它在当代的传承是否合理和有效。整个昆剧表演演变的历史，核心就是以演员身体为载体的身段程式发展、定型和变化的历史。对于昆剧表演艺术而言，舞台美术、服装、化妆、灯光等舞台构成元素是附着于演员的身段程式表演并为其服务的。昆剧表演演变的历史中，始终不变的是昆剧艺术独特的美学特点和丰富的舞台表演基本技法，以及在昆剧艺术自身的美学框架内合理、精细地运用基本技法来表现生活情感的方方面面的舞台逻辑。这
自20世纪70年代起，国外剧场研究经历了从“戏剧”到“剧场”的范式变换，而今已形成丰富的理论成果。本书立足国内外剧场实践共通的媒介社会现实语境，从剧场的社会基础、主体设想、心理机制、时空结构等层面系统研究国外剧场理论的近期新成果，通过考察旨在言说社会实践复数性与复杂性的“悲剧”视域，提炼出剧场艺术批判地介入媒介社会的四个核心范畴：他律主体、悲剧升华、年代错位、剧场场景。由此重思处在媒介技术与商业资本双重牵引下的剧场艺术，把握其独特的艺术生产规律，反思当代艺术备受威胁的使命，表达隐而不显的社会关系，从而将剧场批评扩展为一套批判地理解媒介社会文化结构的“拟剧论”方法。本书融合了前沿剧场理论研究与剧场艺术批评的工作，目标读者为从事美学、文艺研究、文化产业研究的学者与高校学生，文艺批评家
