20世纪50年代,国际主义设计风格在瑞士崛起,为实现秩序化、组织化的视觉表达,网格系统得到快速发展与大量应用。在1961年出版的《平面设计师的设计问题》一书中,约瑟夫 米勒-布罗克曼首次简要介绍了网格系统,此举使其成为瑞士平面设计史上的先驱。当时,还没有书能详细阐述网格的结构和应用,以及如何运用网格系统进行设计,很多设计师并不了解或者误解了网格系统而导致误用。 20世纪80年代,布罗克曼为进一步填补网格设计理论与应用的空白,撰写出版了《平面设计中的网格系统》,系统地讲解了页面排印秩序化、组织化、体系化、统一化和均衡化的设计思维与方法论,成为举世公认的网格系统教科书。 本书开篇介绍了网格系统的理论基础及其宗旨,之后则是搭建网格系统的详细步骤。在讨论了纸张的尺寸、字体的样式、栏宽、行距、边距比例和
近些年来传统文化越来越受到重视,中国传统服饰也在此行列,特别是随着汉服及古装剧的热度越来越高,人们对于传统服饰的好奇与探求的欲望也在增加。然而不少影视剧为了美观,加入了很多现代元素,也就是说,直观表现在我们眼前的 古装 实际已经不是真正的古装了。真实的古装又会是什么样子呢?本书将向读者讲解有关传统服饰的知识。作者通过古代服饰、近现代服饰、妆容饰品、衣料工艺、影视剧中的古装等五个部分,用幽默的语言、细致的论证和丰富的图片,结合众多古代绘画、壁画及雕塑等,讲述中国服饰的点点滴滴,为读者展现中国服饰的美。
其实,对于设计师来说,折叠是一项十分关键但未受到足够重视的基础能力。包豪斯学院的约瑟夫 亚伯斯(Josef Albers)就把折叠作为设计基础课,旨在让设计师建立空间感和几何直觉,提升三维造型的创作能力。 保罗 杰克逊是继约瑟夫 亚伯斯之后的专门传授折叠技巧的艺术家。本书凝结了保罗40多年的教学精华,他从一张纸开始,细致地讲解了基础的折叠概念及80多种通用的折叠技巧。 这些技巧广泛适用于建筑、室内设计、平面设计、工业设计、包装、时装、珠宝设计等领域。在学会这些技巧后,设计师可以突破纸的界限,探索织物、塑料、金属等各种材料的可塑性,激活创意灵感,满足不同领域的设计需求。
本书主要展示了周朝、汉朝、唐朝、宋朝、明朝5个朝代、100套典型服装的制版图及现代改良汉服制版图。如周朝的玄端,汉朝的直裾、曲裾,唐朝的襦裙、半臂、 圆领袍 ;宋代的 朱子深衣 、披风;明代的直裰、裙袍等。 书中每件服饰均为作者手绘,并给出涵盖衣长、通袖长、袖口宽、领缘宽、袖缘宽、裙宽、裙长等的尺寸表,以严谨的版型、数据展示每件衣服的前后片、左右片、袖片、裙片、领片、系带等,各处细节尺寸标注详细,裁剪线、对折线、缝纫线清晰,按图裁剪、制作即可。介绍了裁剪、量体以及所需布料如何计算的方法,为古代服饰制作者、设计者、研究者、爱好者提供了较为详尽的参考资料。
艺术是人类认识世界和表达情感的一种智性方式,艺术史则是从历史的角度研究艺术的一门学问,是现代人类知识体系中的一个重要部分。 现代艺术史的写作范式和学科制度于20世纪初从西方传入我国,并影响至今。因此,我们学习与研究艺术史,自然需要了解以下问题:在西方,艺术史观念和写作方式经历了怎样的变化?历史上出现了哪些伟大的艺术史家和里程碑式的作品?作为一门独立的人文学科,艺术史是何时在大学中建立起来的?艺术史家的基本研究目标是什么,又有哪些主要的研究方法?艺术史与艺术理论、艺术批评、美学之间究竟是怎样一种关系? 此书试图对这些问题做出回答,并以清晰的历史框架和平实的语言,系统呈现西方艺术史学的发展脉络。《西方艺术史学史》既可作为艺术史专业的学习参考书,亦可作为艺术爱好者的知识读本。
从早晨起床开始我们就会遇到品牌选择问题:穿哪件衬衫?喝哪种咖啡?打开哪个APP?午饭去哪家餐厅? 这就是现代生活: 产品、服务和组织机构都被精心 品牌化 ,品牌影响着我们生活中所有的决定。 所以,别再只关心炫酷的图形、艺术性的字体了,无论是LOGO设计、标志设计、UI设计或是包装设计,设计师只有深入了解品牌的理念和核心价值,才能精准抓住痛点,更高效地明确需求、制定设计方案。 本书填补了一项空白 很少有一本书能够全面讨论品牌设计从开始到结束的整个过程。而本书将通过1000多幅插图、300多个国际品牌案例,呈现品牌设计从雏形到完善的每一个环节,细数品牌化的种种规则,更打通了策划者与设计师之间长久以来的壁垒,以全局化的视角重塑你的设计观念。
本书收录了20世纪初一系列重要的时尚插画,并由曼彻斯特时尚学院研究员、博士生导师王喆撰文梳理这个时代的时尚插画历史。200余幅插画作品把我们带到20世纪初的巴黎,看装饰艺术、立体主义、东方主义是如何引领时尚和艺术的潮流,它是摄影技术之前的短暂的荣光,亦是永恒的美学灵感宝库。 20世纪20年代,巴黎是世界的时尚中心,在美国,VOGUE开始出版巴黎的最新时尚。这个时期同样也是时尚和传媒的转折年代,从1910年开始到整个20年代,插画被频繁使用来表现时尚,但到了20年代末,摄影开始取代插画,所以20年代的时尚插画可以说是20世纪初插画黄金年代最后的吉光片羽。 1908年,由保罗 波烈发起了一场巴黎时尚革命,他把女性从束腰中解放出来,带来了更简单和便于行动的衣物。那一年,他让乔治 勒帕普负责插画,出版了他的系列设计。这个作品集
本书是色彩的理论与实例结合之书,分色彩知识与色彩档案两大部分。色彩知识从颜色的产生讲起,涉及色彩与光的关系、色彩的构成、视觉感知到的色彩、色彩心理学等基础知识。之后便按照色彩划分,为100种颜色建立档案。这些颜色被按照色系划分,作者梳理每种颜色从古至今的历史,里面不乏有趣独特的小故事,她试图向我们传达:色彩的历史就是人类进化的历史。此外还介绍了每种色彩的应用场景、设色建议。RGB、CMYK等标准下的色值界定为平面设计师、配色师提供了便利,每种色彩的寓意为色彩应用者提供了心理学上的依据。大量色彩的应用场景图可为读者带来视觉冲击的同时,激发色彩应用者的灵感。
本书是八旬老人史蒂文 M.约翰逊近五十年的另类发明的大合集。他那一直处在爆发状态的想象力小宇宙,辐射到了人类日常生活中衣食住行与工作娱乐的方方面面,包括但不限于服饰、住宅、交通工具、工作空间、城市生活、关怀老人,等等。 在这本书里,幽默讽刺占,有用排第二,你将看到各种天马行空、百无禁忌的创意和调侃。 尽管他如今已经不是二三十岁,也不是四五十岁,甚至不是六七十岁,而是八十多岁!但他那 想象 的脚步,还在继续!
《策展人手册》是一本对策展人、策展系学生以及诸多艺术爱好者而言必不可缺的指南性手册,书中详细展现了策展之步骤,即如何从最初的想法落实到最后的场地,其中涵盖了策展的相关知识——何为策展、何为策展人、策展人分为哪些类型以及如何策划一个展览等问题。作者阿德里安·乔治(Adrian George)从17世纪开始,述说策展人这一角色的来源及演变,直至今日呈现为一个集托管人、解释者、教育者、引导者和组织者于一身的形象——从观念至联络、筹资、展览画册、诠释媒材,再至展览空间设计、与艺术家和债权人合作、组织私人观展,甚或是展览的存档和评估,这些复杂多元的工作环节都将在书中被提及。同时,也有来自各种致力改变策展实践、视觉艺术面貌和博物馆画廊面貌的相关教育者、研究者、学者、画廊经营者、策展人以及博物馆馆长提供的多
从19世纪初期维多利亚时代印刷商提供的服务开始,到如今涉及多种学科的 潮人 设计,平面设计的风格已随时间推移发生了翻天覆地的变化。本书涵盖了自商业艺术早期直到当今数码时代200年间的55种设计流派,从工艺美术运动对装饰元素的大胆应用,到以功能性为诉求的包豪斯,再到今天,旧的设计元素不断被重新引入并再度利用从而创造出当代语境下的全新视觉体验。 全书用773幅经典案例图片,直观生动地为读者展示了平面设计两个世纪以来的流变历程,诉说了一种创意的传承,以及这种传承如何影响着我们的视觉传播方式。本书首版30年来不断增补再版,对平面设计从业者和相关专业研究者而言是一部必不可少的参考资料。设计杂志《Studio》曾赞誉道: 每一位认真的设计师和插画师的书架上都应该常备此书!
奇幻、哥特、异形、鬼怪、妖兽、超自然生物 从概念草图到商业插画,网罗50位插画家的暗黑创意! 对于奇幻暗黑艺术的爱好者来说,本书是一场不可错过的视觉盛宴。50位来自全球各地的人气插画家与概念设计师在此慷慨展示了500余幅暗黑艺术主题的速写手稿与完整画作,剖析画中角色的设定与背景故事,分享灵感来源、创作思路与绘画技巧。 在来自不同国家、不同文化背景的创作者笔下,呈现的构想与画风也各不相同,有圣洁缥缈的创世神祇,有怪诞诡谲的变异生物,也有肮脏邪恶的鬼怪幽灵。愿你在书中收获灵感、启发或共鸣!
《配色手册》: 本书囊括了130种基本色的全色彩数据库,是一本介绍颜色搭配的入门书。书中有针对性地精选了12种常用色系及两种金属色(银色、金色)的色彩搭配组合,配色组合形式多样,涵盖了双色、三色、四色及五色配色方案。每一种配色组合不仅标示出所选色彩的色值及配色比例,而且在空间上结合新颖时尚的图示,使配色实例在视觉和感知上更加简单易懂,可为读者带来丰富的配色灵感与启发。书籍小巧便携,使平面设计师、服装设计师、室内设计师及色彩爱好者可以随身携带、方便查找,具有很强的实用价值。定价不高的特点让色彩爱好者也可以尽情享受阅读之乐,不必再为高昂的价格而犹豫不决。书籍的裸脊设计饱含艺术感,是读者妆点生活、培养情趣、放松心情的不二选择! 《色彩设计手册》: 设计师知道色彩是任何设计项目中的重要组成
化不朽为神奇! 你知道高贵的紫色是用肉食性海蜗牛制成的吗?你能想象曾经画家所使用的颜料曾是致命金属、有毒矿物、尿液、粪便,甚至是压碎的昆虫制成的么?探索一种颜料的形成,这是艺术家、历史迷、科学爱好者所好奇的。 颜料的发明史,也是科技的进步史 从遥远的古代到科技飞跃的现代,从碾碎的甲虫到焚烧后的动物骨头,再到炼金术和种种意外发现,《色彩理想国:图说颜色的历史》为你一一揭秘人类历史上近六十多种非凡的颜料及其背后的故事。
穿对颜色才美丽 这是一本教女人如何变美的魔法书! 中国女性具有东方人独特的肤色,黄色!而很多女性却终身追求变白,以为变白了就美了,穿什么颜色的衣服都好看了,其实,这是一种误区,因为没有丑的肤色,只有丑的搭配。 书中以你我身边*熟悉的真人为模特,她们有不同的肤色、发色、体形以及性格,但她们的共同点是之前没有找准自己的肤色特征,从而在穿衣搭配上走了弯路。作者通过*通俗的讲解把专业的皮肤测试知识变成大家都可以读懂的文字,并把各种肤色适合的衣服颜色进行归类,只要按照这些简单的步骤去做,你就可以知道自己是什么肤色,穿什么颜色的衣服更出彩。通过作者的测试改造,这些模特统统比以前更了解自己,更会装扮自己,使自己在人群中更亮眼。 变美的过程也是不断接受自己,爱自己的过程,作者希望通过这本书能让
本书从服装设计及效果图手绘的基础入手,介绍了服装设计的整个流程,人体比例及结构,人物妆容和发型,常用的人物动态,服装的廓形,以及服装各部位与人体的关系等。重点讲解了使用彩铅、马克笔、水彩这三种*常用的手绘工具绘制服装设计效果图的基本技法。以详细的步骤讲解和丰富的案例展示了运用彩铅表现各种面料质感的方法,用马克笔表现不同风格时装的技巧,用水彩表现多变的时装款式的要点等。无论是刚开始学习服装设计的学生,还是服装画爱好者,都能通过本书熟练掌握服装设计效果图手绘的技法。
《想象力:构图与创作思维》从点、线、面、体等基本元素开始,讲解了如何发挥想象力,并且应用各种创作理论将想象实现成作品。《想象力:构图与创作思维》的内容体系完整,强调抽象思维的重要性,关注精神感受对创作过程所起的关键作用,通过大量绘画案例对基本元素、形式、平衡、简洁和力进行分析,整理成易于读者学习的知识体系。在*后一章设置了大量的练习,让读者在学习了前面的知识后立刻进行针对性练习,进一步掌握所学的知识点。 《想象力:构图与创作思维》适合想要发挥想象力进行创作的插画师和爱好者阅读,也适合相关专业的学生和培训班作为教材。
本书主要分为两大部分,*部分为经验法则,作者总结了多年来在版式设计中容易出现的问题,并就问题提出改进的优选方案;第二部分为实战法则,通过对同一内容进行不同的版式设计,让一呈现出N种不同的设计方案,能让读者学习到非常有用的方案,并产生还能如此恍然大悟的感觉。
配色是设计师、画师的技能,也是一部分新手设计师、画师的痛点。本书立足于设计行业和绘画行业,重点解决从业者和新手的配色难问题。 本书共十一章。第一章讲解色彩的基础知识;第二章到第八章讲解七大色系的配色方案,共78种颜色,每个色系的颜色都是按照由浅到深的方式排列;第九章讲解意象配色方案,共162种,应用场景有平面设计、室内设计、产品设计、景观设计、园林设计、家居设计等;第十章讲解大自然配色方案,共52种,应用场景有平面设计、室内设计、产品设计、城市设计、建筑设计、景观设计等;第十一章讲解流行风格配色方案,共20种,应用场景有平面设计、室内设计、产品设计、包装设计等。 本书适合设计师、画师阅读和参考。
《字体怡人》是日本知名设计师高桥善丸分享其字体设计创意的作品集。身为资深设计师,高桥善丸在介绍设计心得的同时,也将设计制作的要点或具体方法一并分享给读者,真诚地向读者展现了他所追求的功能、创新与美感相平衡的设计世界和做有温度、有感情、有气韵的设计的理念。《字体怡人》中收录的高桥善丸作品的创作时间涵盖2000年至2016年,作品类型涉及图书、宣传画、海报、书签、商标、文创用品、创意物品、各类展品中的标志字体设计和多套创意字体设计,作品集以汉字的设计为重点,兼顾英文和日文字体设计。
你要传递的信息是什么? 哪些人是你的受众? 如何让信息精准抵达? 在信息纷繁复杂的时代,如何使用平面设计让你的诉求脱颖而出?DK 为您奉上这本超级实用平面设计指南! 全书通过深度指导文章、实战工作坊和灵感画廊等章节内容,带你逐一厘清设计要素 字体、照片、插画、色彩、版式等。同时,告诉你如何利用这些工具启发自身灵感、吸引专属受众,将所学知识灵活运用到适合的设计项目中。 如果你正打算定位品牌、建立自媒体、吸引受众,并利用具有影响力的设计进一步提升业务,那么本书便是为你量身定做的新世代设计必修读物!