乌迪斯 扎林斯，拉脱维亚古典雕塑家，先后在里加艺术学院、拉脱维亚艺术学院学习雕塑，现为拉脱维亚艺术学院解剖学教授。乌迪斯 扎林斯在学习过程中，收集了众多画作、草图、解剖书籍以及成功作品的照片，每次他在制作新的雕塑之前，都要做好充分的准备，不仅仅是布置好骨架和边缘，还要在纸上画一个小草图，以简单易懂的方式来分析形体。他所绘制的手稿上传到网上后深受大家喜爱。 桑迪斯 康德拉兹，拉脱维亚沙雕、冰雕、雪雕、石雕艺术家，美国华盛顿大学医学院医学人体视觉化软件开发中心创办人。
《像艺术家一样思考》 《像艺术家一样思考》是全世界使用广泛的绘画指导书和创造力培训用书。迄今为止已被翻译成17种语言，全球销售300万册。 贝蒂 艾德华认为，绘画是一项人人都能学会的技能，学习绘画其实就是学习如何正确地观察事物。在书中，贝蒂为我们提供一种神奇的五天绘画方法 右脑绘画法，即从左脑转换到右脑，像艺术家（画家）一样绘画。学习这个绘画法，你可以在五天内学会画画。 贝蒂的五天绘画法分为如下五项基本技能：一是对边线的感知；二是对空间的感知；三是对相互关系的感知；四是对光线和阴影的感知；五是对整体的感知。这五种感知技能实际上是对个人观察习惯的重新训练。当你熟悉这五种技能后，就能很好地转换思维，学会观察眼前的事物，并画出令人满意的作品。 贝蒂的一位学生说： 看着自己第一天和第五天的绘
一本能够提升角色表现力和吸引力的人体绘画指南。不同于传统的解剖学和人物素描教程，本书专注于通过特定的线条和形状使所绘角色更具说服力且外观更加精美。书中涵盖了390个绘制人物时必须掌握的关键知识点，这些知识点既能作为掌握绘画技巧的有效参考，也能帮助画者更好地捕捉角色的形态和特征。书中的解释简洁明了且通俗易懂，将关键概念和细节用色彩高亮标注，使重要信息一目了然，便于读者快速理解和掌握。无论是人体绘画的初学者，还是在造型方面遇到挑战的专业画师，都能从本书中获得实质性的帮助。使用本书，不仅能提高绘画效率，还能显著提升造型能力。
陈志勇是一位世界知名的艺术家，他是首位获得凯特 格林纳威奖的亚裔画家，他的动画作品《失物招领》曾捧得第83届奥斯卡最佳动画短片奖 他创作的故事和绘画受到了世界各地读者的喜爱。 《生灵》是陈志勇首次对自己25年的创作生涯进行了回顾和沉思，在这样一部自传式的绘画集中收录了陈志勇200多幅画作，除了为《抵岸》《失物招领》《外郊故事》和获得凯特 格林威奖的《内城故事》等作品绘制的草图，还首次集纳了他此前从未面世的独立的绘画作品，甚至有一张3岁时的画作，所有这些创作，都与他痴迷的 生灵 有关。 陈志勇为这些画作进行了长短不一详细而真诚的注解，犹如在这样一本 纸上个展 中，他亲自担任解说员，用幽默哲思的语言，分享了从童年到成为创作者一步步寻找灵感并坚持创作的过程。 在这样一本 视觉上令人兴奋和产生幻觉 的画册
巫鸿新作，在哈佛大学和芝加哥大学多年开设的艺术史课程，以及2016 年牛津大学斯雷特系列讲座（ Feminine Space: An Untold Story of Chinese Pictorial Art ）基础上修订而成 。 巫鸿引入 女性空 间 作为讨论的核心， 围绕 女性空间 ，梳理了从战国到明清各个历史阶段中女性主题绘画的发展 状况 从武梁祠的列女画像砖到南北朝的《洛神赋图》，从青楼名妓的自我表现到展现理想化美人的《十二美人图》，以图文 并茂的方式，展现 女性 在各种绘画场景和时代中的不同呈现，重构其所从属的原境；结合艺术评论、时代背景等因素，挖掘作品背后审美价值和商业价值的相互影响，以及女性题材绘画 在社会、宗教与文化环境中的意义。全书侧重于经典作品的细节分析，以 女性空间 为线索，串起一部别样的中国绘画史。
《人造地狱》是关于社会投入的参与式艺术的第一部历史性和理论性概述，在美国称为“社会实践”。克莱尔· 毕肖普探索二十世纪的艺术轨迹，检视参与式美学发展中的各个关键时期。这个旅程遍历了未来主义和达达派;情境主义国际;东欧、阿根廷和巴黎的偶发艺术; 1970年代的社区艺术运动;以及艺术家安置团体。它以当代艺术家倡议的长期性教育计划作结，例如赫胥宏、布鲁格拉、阿塔莫和陈佩之。自从2006年在《艺术论坛》(Artforum)发表的争议性论文以来，毕肖普一直是少数勇于挑战参与式艺术的政治和美学野心的人。在《人造地狱》里，她不仅仔细检查这些计划的解放性主张，对于这些艺术作品所引发的伦理(而非美学)判准，她更提出了替代方案。《人造地狱》呼吁一个关于艺术和政治没有那么规范性的进路，提出一个更引人入胜的、让人不安的、大胆的参与式
重叠即远近，眺望即山水，《小山重叠》即是对山水画的跨文化观察和解读。中国山水画的发展演变是一个非常复杂的历程，本书追根溯源，回到汉魏六朝乃至先秦时期，结合青铜器、墓葬壁画、画像砖石和大量传世画作，寻找山水画的根源图式及空间形态，观察它们在历史中如何发生、演变，互相借鉴、影响，最终塑造出山水画的形貌。作者重点探讨了汉代绘画中仙山图画的样式， 高远、深远、平远 的早期萌芽，中国绘画中的外来元素，经变图模式与山水画核心图式的确立，等等。一系列的议题串联起中国山水画发展的脉络， 当我们从比例、结构模式、图式的生成与演化等角度来思索绘画及绘画史，也许会重新认识绘画 。写作视野同时越过天山以西，远至欧洲，检视各个古老文明的艺术，游观古罗马的壁画、中世纪手抄本插图和文艺复兴杰作，眺望两河流域
石守谦是目前台湾研究中国绘画史的极其重要的学者之一，早年在著名的普林斯顿艺术史系学习，深受普林斯顿学派的熏陶。该学派是目前海外研究中国艺术史的极其著名的学派。 书以十篇论文探讨了中国传统绘画发展历程中重要转变之原因。 作者一方面从传统的研究成果及材料中汲取精华，另一方面又能不囿于成规，充分挖掘了画家与文化环境的互动关系，并将其作为改变各阶段画风的重要因素。《风格与世变：中国绘画十论》以世事变迁来诠释中国文人画的风格史，以一个个精彩的个案，对 风格 与 世变 之关系进行了探讨，如元代李郭风格之发展、浙派画风、吴派画风、文徵明画风之转变等。大多文章都是从一两幅作品风格上的新变切入，联系世变寻找促成风格转变的原因，知人论世，文章立论严谨，史料翔实，论述有力，是一部不可多得的力作。 本次精
暂无内容简介。。。。。。
《心画：中国文人画五百年》（典藏版）是研究中国文人画的经典之作。 本书重要的贡献是还原了文人画的真实含义及其产生的社会环境。文人画在北宋产生之时，主要指的并非是一种鲜明的绘画风格，而是士大夫阶层对自身创作活动的一种认同和期许，并以此和那些职业画家划清界限。 之后，经过南宋、元代、明代，文人画的概念不断变化发展，文人画与院画、画师作品之间的关系变得愈加复杂微妙。苏轼对于士人阶层的推崇，在董其昌的南北宗论中得到一种新的回响。 本书以纵横开合、明暗相照的叙述结构展开，切入中国画的生成原境，以广阔而宏大的历史视角、对思想体系的社会历史背景的细腻分析、饱含思辨力和理论穿透力的笔触，清晰呈现了中国文人画理论的生发、演变与成熟的发展全貌。 本书一经出版，在海外学界引起广泛关注,
高居翰中国晚期绘画史收官之作，离开其浸研多年的文人画，将注意力集中在传统画论和收藏家不屑一顾的 世俗画 （vernacular painting），是其晚期学术转型的代表作。 中国传统画论奉文人山水画为圭臬，将受主顾委托而创作的 世俗画 视为匠人之作，而非 艺术品 ，世俗画及其作者也因此少有文字记载。高居翰认为，这些 失语 的、鲜有人关注的世俗画，值得更严肃的研究，也是打开艺术史研究面向的新兴资源。 《致用与娱情》通过对120余幅盛清时的世俗绘画进行视觉研究与风格分析，说明正是美人、春宫、家庆、祝寿等中国主流艺术史之外的 另类 世俗题材，在盛清时通过积极吸收西洋技法、融合南北宗的画风，创造了新的绘画方式与程式。通过挖掘世俗画在艺术史上的价值，作者打破文人山水画主导的中国绘画史叙事，丰富了中国绘画史的样貌。此外，作者还
事理学 是柳冠中先生提出了有别于西方的设计理论，它超越了现代设计的 功能论 生活方式说 等在设计历史上产生过重要影响的思想，而将设计问题与中国哲学的思辨结合起来，是探索设计造物的 事 理 关系并应用于设计尤其是复杂产品设计和系统的社会设计问题解决的重要理论，提出以来，在国内外学术界都有广泛影响。 珍藏版中增加了很多珍贵的照片、实际案例等珍贵资料。 本书可作为本科和研究生教材、参考书。
传统美术史的概念需要不断更新，作品的概念可能也要不断改变，甚至放大。我有一种感觉，以后的学者可能只关注研究的问题是不是学术上的进展，而不太关注门类，即到底是社会学、哲学史、文学史，还是美术史。 我的目标是促进整个中国艺术史的研究。这些事情很迫切。如果接下来我们着重研究中国和外部互动中的那些中间环节，以后的学术模式可能会发生改变，不再是西方人提问题中国人回答，而是中国学者不断提出新的问题并引发全球的学者回答。到那时候，中国学术的生产时期就真正到来了。 尹吉男 清理习见，改变思考古代图像史的方法。 《知识生成的图像史》汇集了尹吉男关于顾恺之、董源、谢环及《杏园雅集图》等美术史上重要画家、作品的个案研究，以及此前积累的多篇中国书画鉴定学研读札记，几乎每篇都引起相当的反响，并
《温迪嬷嬷讲述绘画的故事(修订袖珍版)》深入分析三十余幅巨作,包括波提切利的《维纳斯的诞生》、伦勃朗的《犹太新娘》、莫奈的《莲池》、凡 高的《自画像》等。由画面放大的局部深入大师的精神世界,揭示作品底蕴,解释绘画技巧。简明扼要,娓娓道来,温雅隽永,耐人寻味,温迪嬤嬤的《绘画的故事》将你引上一段奇妙的文化旅程。帮你理解、欣赏伟大的艺术。
要画好人体，艺术家必须认真研究模特的个人特征，这些特征即是 表现"的组成部分。我们表现人体时，面临的核心问题是:这个人身上的哪些形体标准*为突出?在本书中，戈特弗里德.巴梅斯就人体的绘制，深入浅出地给出了大量建议: 例如借助基本朝向和形体构造作画、抓住核心的体块、掌握建筑学绘画方法的表现力等。学生将学会更好地理解自身，也更好地领悟模特的气质、魅力及其表现效果。通过对形体的简化和基本化、通过对形体功能和构造的深刻认识，学生将能够仅凭想象画出各种各样的人体，绘画能力也将得到惊人的提升。本书是戈特弗里德.巴梅斯艺术教学系列的收官之作。
两宋时期，社会进步超乎想象，诸如民生与工艺、艺术与哲学、技术与商业无不粲然，域外史家谓之“近世”，或称“新社会”，在唐、五代的基础上，宋以文艺复兴，形成新的人文天际线。文艺复兴带来的审美自由，适合艺术蓬勃地生长，从五代、两宋开始，中国绘画才真正迈进独立的艺术门槛，中国山水画的兴起，尤其水墨山水的兴起，成为10世纪至13世纪中国文艺复兴的标志。本书按照历史顺序，分为五代、北宋和南宋三个时期，解读了近30位名家、近100幅传世经典画作，探究了山水、花鸟、人物三大绘画类别由技入艺以至于境的发展过程。创作体例上，赏析与评传结合；方法上，审美与思辨兼济，是作者在学术上的一次尝试。绘画史的陈述，需要思想史的提升，以及艺术哲学的陶冶，作者试图以此建构新的中国绘画史。读过本书，或许你会发现，去艺术中开
明清花鸟画中，祥瑞题材蔚为大观。它们是艺术市场的宠儿，也是明清商品经济发展之下，士大夫文化与民间文化融合的缩影。 荔枝、朱竹、牡丹、辛夷花、白雀、大鹏、墨竹、柿子、松树、花瓶、鹌鹑、莲花和葫芦等题材蕴含着大吉、大利、三多、平安、富贵、如意、长寿等吉祥之意。作者不仅探讨画作的艺术和鉴藏价值，也梳理了祥瑞题材绘画的审美与民俗等影响因素。 本书图片来自故宫博物院、中国国家博物馆、首都博物馆、上海博物馆、天津博物馆、广东省博物馆、台北故宫博物院、美国旧金山亚洲艺术博物馆、美国弗利尔美术馆等几十家博物馆。有的图片为首次发表。
我们也许永远无法得知解蒙娜丽莎到底在笑什么，但可以肯定的是，文艺复兴时期的众多艺术杰作绝不只是眼见之美那么简单。艺术家们通过符号来表达特定的含义，通常这些含义依凭着一套传统的符号语汇，在当时是受过教育的人们所熟知的，但对现代观赏者而言却已基本失传。让我们跟随作者理查德 斯坦普，踏上解开这些符号奥秘的探索之旅。 本书共分为三个部分，循序渐进。*部分概述了文艺复兴思潮的起源与发展，其波及领域包括文学、绘画、雕塑以及装饰艺术。第二部分针对文艺复兴艺术符号语言的基本元素，包括色彩、几何、光影、比例、透视和姿势等，提供了一个覆盖广阔的导引，并使用例证详细解读。第三部分是本书的核心，围绕十数个主题，包括神话、战争与和平、死亡与永恒等，分析了四十多件艺术品，并通过对作品细节的拆解分析，
