108幅敦煌壁画彩塑摹绘，37座洞窟，12段历史与艺术的时空交集 72例敦煌色搭配范式，以永恒的中国传统色彩，呈现千载敦煌与古典中国的美学历程 提起敦煌，唇齿间就自然碰撞出飞天与藻井、卷草与神鹿。作为美的极致，或许我们从未掌握解读敦煌的秘钥。 敦煌，本是由色彩构成的奇迹。暗红、灰青的底色堆叠闪亮的金青，玉白的色彩浮现于土红的泥板，红与黑，白与绿，勾画出绀发翠眉的菩萨、高绿下赪的山水。有限的色系经由同色与异色的组合，或对比、或调和，终形成无数种敦煌色彩的搭配范式。它们绘制出交缠千年的天人与花雨、黄沙淹没的传说与史迹，于今日给我们带来美学与心灵的震撼。 穿过时间的轴线，敦煌色彩被时代赋予不同的面目，西魏时期群青、石绿、大红铺色明亮，是与西域绘画碰撞出的潇洒风情；将视点缩小至活跃在敦煌的生民，

本书是一部兼具全面性和可读性的艺术史读本。在本书中，作者突破了材料、技术和图像志的制约，重建艺术史讲述框架，从艺术+市场的角度，让读者从更高维度上理解艺术演进。在本书中，作者提出了两个理解艺术史发展的线索。第一个线索是“时代之眼”，即对绘画进行解读时，首先要做的工作就是还原画家当时所处的环境。第二个线索是“甲方决定论”，也就是“画家把画卖给谁”。结合这两个艺术史重要线索，搭配作者风趣幽默的文字，让你真正读懂西方艺术史，逛美术馆、博物馆时，再也不怕无话可说。

《西方艺术三万年》概述了西方艺术三万年的历史，描述了西方“古典艺术”“现代艺术”“当代艺术”的类型特征和发展进程，内容从原始洞窟壁画到数码时代的数字艺术，涉及绘画、雕塑、设计、建筑等多个艺术门类。与市面上的其他艺术史类书籍相比，本书优选的特点是将艺术“还原”到人本身，将艺术作品放回历史语境，从人心观念的角度理解艺术风格的成因与演变，因为“艺术不是由人的能力决定的，而是由人心观念支配的”。 本书文字通俗生动，叙述深入浅出，角度独特深刻，能帮助读者更轻松地进入艺术的世界，更深入地理解西方艺术。

“艺文丛刊”是一套主要收罗中国历史上各种好玩有趣、精巧别致的“小书”“闲书”的系列丛书，内容涉及书法、绘画、文学、生活、园艺、美食、鉴赏、掌故等诸多题材，力图从各个视角、各个层次反映中国传统文化的生动细节，以及中国古人物质生活、精神生活的格调品味。之前已出版五辑（共92册），此为丛书第六辑，共包括11种12册，具体书目如下：《衍极》（郑枃、刘有定）、《醉古堂剑扫》（陆绍珩）、《独鹿山房诗稿》（冯全）、《四王画论（上下册）》（王时敏 等）、《湛园题跋 湛园札记》（姜宸英）、《书法正宗》（蒋和）、《庚子秋词》（王鹏运）、《三虞堂书画目 麓云楼书画记略》（完颜景贤 等）、《清道人题跋 愿夏庐题跋》（李瑞清 胡小石）、《画学讲义（外二种）》（金绍城）、《寒柯堂宋诗集联》（余绍宋）。

本套装将“湖山艺丛”系列中讲解中国画的、已经出版的14种图书集结成套装，赋予其明确的主题——中国画的要义，尝试用潘天寿、黄宾虹等10位近现代艺术大师的实践理论、创作心得、课程讲稿等内容，呈现学院派的、充满实践真知的、通俗易懂的中国画理论。

把绘画当作艺术品的观念是一项相对晚近的发明。本书主要讲述欧洲绘画目前的一次重大转折，即可携带、经框裱的画作是何时在欧洲兴起，又是如何在近代早期收藏、市场和艺术理论中逐步收获一种明确自主的审美标识，进而成为西方现代艺术体系中不可或缺的基石的。作者讨论了“元绘画”的相关理念，揭示了画作中所隐含的丰富观念，在西欧艺术史领域产生了深远的影响。

本书为蒙古人统治下的伊朗和中国之间的艺术互动提供了新的视角。通过使用来自各种装饰和绘画艺术媒介展示了蒙古帝国治下的伊朗艺术中中国主题的采用和改编过程。观察这种的独特艺术现象有助于促进对中世纪伊斯兰艺术多样性的理解。

一部人文学通识的百科全书。内容涉及人文学的方方面面。涵盖的人文学学科有：文学、艺术、音乐、戏剧、舞蹈、电影等；深入讨论的人文学主题有：信仰、幸福、死亡、道德、自然、自由和爱等。

除了图像与风格的研究，艺术史还能扩展哪些新的研究视角？艺术史研究能否超越学科的边界，为更广泛的人文社科研究提供启发？艺术史中的经典作为历史的图像遗存，是否还隐藏了更多的信息？而今天的我们又是用什么样的方式破解图像密码，了解到这些隐秘的政治与历史信息的？为了回答这些问题，北京大学人文社会科学研究院倡议编选本书，汇集了艺术史研究中的一系列经典研究成果。这些文章，既是在艺术史研究领域具有突破性和启发意义的研究成果，也是贯通艺术史、思想史、政治史与社会文化史的积极探索。

本论文集集结了“书籍之为艺术——中国古代书籍中的艺术元素学术研讨会会议”的发言稿三十多篇，不同领域的专家向读者展示了书籍与绘画的的联系，呈现了书即可以是读物，也可以是我们后来称作的艺术，画同样既可以看，也可以当书来读的阅读思想。情以物兴，物以情观，在书籍的世界里窥见美的精神，领略书是灵魂的欢悦，这即是作者的体验，也是对读者的一份期待。论文集为书籍装帧的历史研究提供了一个总的框架结构，为书籍装帧史的研究提供了很好的参考。

黄宾虹艺术的核心价值何在？35年来黄宾虹研究在这一议题上经历了怎样的变化？这在世界艺术目前的具有怎样的重要性？为此，艺术史学者洪再新在这本论文集中提供了独到的见解。从第一手中外史料（如《附录》黄宾虹早年论作的西文翻译影印）显示，黄宾虹的现代艺术特质得益于20世纪初以来出现的中国画国际市场，并通过1920年代初“上海的国画复活运动”得以升华，由此颠覆了将黄宾虹定位为“古典中国画大师”的陈说。更重要的是，黄宾虹艺术的核心价值不只限于“现代运动”的某个瞬间，而在于指向未来，阐发自然和艺术的内美。第一编“超越古典与现代”包括王中秀先生编著的一系列黄宾虹文集、传记所作的序文、英文的格鲁夫/牛津艺术词典“黄宾虹”辞条、斯坦福大学美术馆《继往开来——20世纪中国画四大家特展》黄宾虹专论和几个专题论述，

《从风格到画意：反思中国美术史》收录石守谦教授自1994至2007年间陆续发表的十五篇论文，共分五个单元，以元明绘画为主，上溯五代，下及二十世纪。作者以中国绘画史的论述架构为经，以不同研究论题为纬，探索并示范中国绘画的研究方法。 自二十世纪中期以来，关於中国绘画研究的方法与模式已有长足发展，其中以风格学的形式分析贡献最力，在时代风格的确立与特定风格系谱的建立方面，成果卓着，但另一方面也出现了局限。作者对此作了回顾与反思，质疑以西方狭义的「再现」（representation）标准来研究中国绘画的适当性，进而提出「画意」作为一种观看中国绘画的方式。「画意」一词原出自中国传统画史，但作者试图从艺术品与观者互动的角度予以考量，力求将作品还原至创作初始的文化情境来理解其「画意」。全书以「画意」一旨贯串，於风

为什么要研究艺术的世界？ 学习艺术就是学习文化 我们学习艺术，是因为艺术是文化的优选表现形式之一，体现文化的理想和希望，挑战它的观念和信仰，创造它所追求的新的愿景和可能性。 学习艺术就是学习批判性的思维 “文化”本身是一个不断变化、存在巨大差异性的复杂现象。“艺术的世界”由现有的和曾经存在过的许许多多文化中的事物组成。而艺术品一般来说都是“哑巴”，无法向人解释自己，因此学习艺术是艰难的工作，包含着疑问、探索、试错、修正和发现的批判过程。 学习艺术就是学习与博物馆对话 博物馆也许是令人望而生畏之地，但你要记住，博物馆实际上就是专门供人参观的。 它的主要功能之一是为艺术品提供一个语境，也就是说，作品以一种互相影响的方式组合起来。学习本书就是让每一座博物馆都向你开放，丰富你每一次与艺术品交

五代至南宋这近四百年时间，是《韩熙载夜宴图》《溪山行旅图》《千里江山图》《清明上河图》等传世名作涌现的时期，也是中国绘画史上一个特殊而关键的阶段： 越来越多的画家脱离了寺庙和宫室壁画的集体创作，壁画与卷轴画形成新的互动关系；挂轴的产生以及对手卷形式的探索，催生出影响深远的构图样式和观看方式；日臻细化的绘画分科隐含着绘画实践的进一步专业化；中央及各地方政权的深度参与导致绘画创作的行政化和机构化，进而形成中国历史上从未出现过的综合性宫廷绘画系统；孕育中的文人绘画发挥出越来越大的作用，其美学观念影响了宫廷趣味和宗教绘画的风格，为其终成为中国绘画主流开启了先河。 本书是著名美术史家巫鸿的全新力作，延续《中国绘画：远古至唐》的写作思路，吸纳考古美术的新近研究成果，聚焦五代至南宋时期

本书为蒙古人统治下的伊朗和中国之间的艺术互动提供了新的视角。通过使用来自各种装饰和绘画艺术媒介展示了蒙古帝国治下的伊朗艺术中中国主题的采用和改编过程。观察这种的独特艺术现象有助于促进对中世纪伊斯兰艺术多样性的理解。

本书是荷兰汉学家高罗佩上世纪五十年代出版的英文著作，原书名Chinese pictorial art as viewed by the connoisseur，直意为中国绘画艺术——从收藏的角度，英文原书另有汉字标题“书画鉴赏汇编”，今根据译文内容定名为“中国书画鉴赏”。该书主要分为两大部分：部分为书画装裱，介绍了书画装裱的历史、相关技术以及记录装裱的文献；第二部分为书画鉴赏，包括古书画鉴定、印章鉴定和书画卷轴的收藏；另有附录和索引。

20世纪是中西方各种美术思潮不断发生碰撞与融会的时期。正是在这样的时代背景下，邵大箴先生对西方已经发生和正在发生的现代艺术进行了详尽地介绍，并更多地加入了作者本人的思考和分析。《邵大箴》是对邵大箴先生当前的著作和文章进行系统整理、修订、编排与集合，当中收录的这些著作、文章和译著， 主要写作于改革开放以来三十余年，它们不仅帮助中国读者了解西方的美术历史和现状，而且对20世纪以来中国和西方美术发展过程中的诸多问题进行了深度思考与分析，有清晰理性的个人判断。书中介绍的内容、艺术观点、分析方法、评论视角，乃至使用术语，在美术界有广泛影响, 促进了中国美术的现代化进程。本书《论二十世纪中国美术》是针对当代中国美术创作和美术思潮所做的研究，为这一时期纷纭复杂的艺术现象和思潮的起伏更迭提供了最直接

民间美术，尤其是少数民族的民间美术，似乎总脱不了土气，殊难与雅的美术、洋的美术同登大雅之堂，容易被等闲视之、淡漠待之，因而鲜有问津者。其实，民间美术好就好在土气上，纯朴，清新，芬芳，何陋之有！况且，就承载文化信息的丰富来说，土的决不在雅的和洋的之下。研究民间美术，非有志且有识者断难胜任愉快。大凡民间美术研究，总要达到几个层面：一曰资料积累，二曰横向比较，三曰品鉴议论，四曰保护发展。辛艺华、罗彬伉俪所著《土家族民间美术》，在这几个层面都有所创获，十分可喜。本书之问世将丰富土家族民间美术的研究内容，增加对巴文化乃至整个华夏文化研究的动力，故我乐于推介，是以为序。

本书“邵大箴”书系十卷本中的一本。是对邵大箴先生当前的著作和文章进行系统整理、修订、编排与集合，当中收录的这些著作、文章和译著， 主要写作于改革开放以来三十余年， 它们不仅帮助中国读者了解西方的美术历史和现状，而且对20世纪以来中国和西方美术发展过程中的诸多问题进行了深度思考与分析，有清晰理性的个人判断。本书是邵大箴先生对外国美术的独立评述，共分为论西方古典美术、论西方现代美术、论俄罗斯和亚洲艺术四个章节，其中涉及到对西方从古典到现代的艺术家，如安格尔、大卫、毕加索、马蒂斯等画家独立评述的内容等。