对于想要踏入服装设计专业的你来说，学习绘制时装画是锻炼服装设计技能的必要且重要的阶段。本书具体说明服装设计效果图绘制的基础知识、人体走势的画法、服装平面造型的绘制技法、服装面料的表现等，内容全面且易懂。要画出精彩的时装画，你必须掌握基本的绘画原理并且懂得如何简化运用。在创作的过程中，不要被书本束缚住自己的创作灵感。通过反复练习，你将会掌握时装画的要领和技巧。你可以在学习的起步阶段模仿本书中的一些绘画风格或临摹他人的作品，这会是一个不错的方法！总而言之，本书会是服装设计初学者、服装设计相关专业及从业人员的参考好书。

男人的“注视”最终决定了女人的着装趣味，并使她们在审美的想象中体味到虐恋的快感。这样的快感当然并不仅限于小脚和束胸，在世界的其它地方至今仍有为了吸引异性而将嘴唇撑大或将脖颈拉长的习俗，至于后现代服装史中的性感大师，只要列出维维安·韦斯特伍德、让·保罗·戈尔捷、亚历山大·麦克奎因、约翰·加里亚诺、乔万尼·范思哲……我们就知道人们对于服装的欲望有多么大。或许只有重新回到实体时代，我们才真正领略服装的意味：那只是一场延宕在人类文明史上的性游戏，它被一种叫做审美的东西不断刺激着。变化在遮蔽与裸露之间，并在这半遮半掩中，完成对身体的色情想象。本书以理性而优美的文字，配以精彩的图片，回顾了人类的服装发展史，揭示了人类的服装欲望史。 一条是肉身的纬线，一条是审美的经线，一虚一实，一暗一明，

北京服装学院服装艺术与工程学院的教师们，在经历二十多年的时装设计实践与理论教学中，积累了较为丰富的经验，他们把这样的好经验通过我们的努力，对过去服装效果图课程进行了重新梳理，并且依据当下时尚的新特征，结合时装设计工作的具体要求，考虑学习者的就业情况，而精心编写了一系列服装效果图多媒体教材和服装效果图课程教材。 本教材由七个部分组成：概述、服装效果图的人体造型、服装造型与人体着衣、服装效果图的表现技巧、服装效果图中的质感的表现、服装效果图与服装设计、作品赏析。

本书以年代为主轴分成七章，在20世纪所发生的主要风格基本以十年作一章，这是《时装设计风格》的重点。每章节包括四方面的内容：风格产生的相关历史背景、在服装上的具体表现（风格、造型、款式、色彩、图案、材质、配饰等）、产生后的流行演变、设计师对此风格的不同诠释。作者以时装设计的风格为切入点，选取影响当代时装设计的一些具有代表性的风格，对其各个方面做了细致、深入的剖析，理清其来龙去脉和发展状况，并结合设计师的作品进行分析。书中围绕一个风格，引用了大量的历史相关照片和设计师作品实例，力图完整和系统地分析此风格的具体内容，并提出了一些新的观点。 本书具有观点新颖、图文并茂，贴近潮流等特点，既有的理论高度，又通俗易懂。可作为我国高等院校服装设计专业本科和研究生教学用书，对从事时装设计、配

《服装设计入门 》全书分为六个章节，较为深入地论述了服装设计的基本概念，服装的款式构成、服装设计的表现方法、服装的色彩配置、实用服装设计和高档服装设计。全书文图并茂、层次分明，既注重服装设计系统性和规范性的阐述，又着重设计理论的客观性和科学性。文字简练、概括，图例精美、典雅，版式清新、自然，对于服装专业人员和广大服装爱好者具有的参考价值。

手绘时装画的学习首要的就是深入了解时装画用人体的绘画经验，其次是了解不同工具的基本绘画技法，包括彩色铅笔、水彩、水粉、色粉笔、马克笔等以及灵活地综合运用。基于时装画的功能性与服装工业需求，手绘时装画需要了解各种不同的时装面料绘制技法，包括牛仔、丝绸、呢绒、格纹等常用面料的表现技法，以及钉珠、镶嵌、绗缝、缩缝等常用工艺的表现技法。另外，不同类型服装的表现效果可以用不同的绘制工具、技法以及风格来进行区分。 需要强调的是，尽管时装画的绘画工具繁多、表现形式多样，但是水彩技法值得花费更多的时间与精力去练习。因为水彩技法包含素描关系、色彩关系、笔触表现、层次表现等丰富的画面效果，尤其是绘画过程中对画笔的控制、对干湿的掌握乃至水彩丰富的水洗、晕染等效果都需要长期的练习才能熟练运用。如

《美国经典时装画技法（第6版）》全新全彩升级，从解读人体比例开始，通过大量手绘图稿，详细讲解了时装人体的造型、动态、着装效果和色彩渲染等技法与技巧。在阐述技法的过程中，结合了时装画的时尚需求，讲解了如何通过人体比例的调整、时装造型渲染等来体现时尚特点。书中还加入了与手绘图稿配套的实物照片，增强了视觉效果，增加了技术分析，使读者更深层次地领会时装画的真谛。 本书适合服装设计院校专业学生和从业人员学习和参考。

所谓时装设计图，就是指服装的设计图，它们主要用于服装生产商。 从形态上来说，大体可以分为两种。 种就是，不光表达服装的设计，还有整体的搭配以及风格等的设计图（又名风格图）。 另外一种就是，为了表达衣服本身的线条以及细节的项目图（又名产品图、衣架图）。

本书与以往常见的同类教材的不同之处体现在四个方面： 1.扩充了服装色彩设计的范围，不局限于生活用装，还涉及了影视服装等领域； 2.避免了冗长、不着边际的色彩理论的堆砌，原理阐述深入浅出，通俗易懂； 3.强调理论联系实际，注重实用性和可操作性； 4.图文并茂，附有大量的学生作业，直观性强，有利于学生学习和参考。

本书以年代为主轴分成七章，在20世纪所发生的主要风格基本以十年作一章，这是《时装设计风格》的重点。每章节包括四方面的内容：风格产生的相关历史背景、在服装上的具体表现（风格、造型、款式、色彩、图案、材质、配饰等）、产生后的流行演变、设计师对此风格的不同诠释。作者以时装设计的风格为切入点，选取影响当代时装设计的一些具有代表性的风格，对其各个方面做了细致、深入的剖析，理清其来龙去脉和发展状况，并结合设计师的作品进行分析。书中围绕一个风格，引用了大量的历史相关照片和设计师作品实例，力图完整和系统地分析此风格的具体内容，并提出了一些新的观点。 本书具有观点新颖、图文并茂，贴近潮流等特点，既有的理论高度，又通俗易懂。可作为我国高等院校服装设计专业本科和研究生教学用书，对从事时装设计、配

“中华杯”国际服装设计大赛是一项国际性服装设计赛事，全球范围内征集作品，具有较强的影响力。此类大赛一般偏重于设计的艺术性和创新性，而文化特异性、个性和时尚性也是重要的评判参考因素。设计帅把设计置于一个广泛的范围内进行构想，使作品有更加深远的意义。在过去的十五届比赛中，参赛者来自很多国家，众多的参赛者参加，不乏有很多的作品呈现。现将这些的作品汇编成书，以便更多的读者学习与借鉴。 创意型比赛服装的设计重点侧重于审美和创新，系列为主，单独制作，通过服装充分表现设计师的创意，并运用面料材质、图案、制作手法等来强调服装的表现效果。而这些首先要在效果图中得到充分的表达，所以服装表现技法尤为重要。效果图的好坏是决定参赛作品是否入围的关键。大赛效果图有其特殊的要求，既要充分表现款式的特征与

本书13万字，是一本简约地介绍中华传统服饰——华服的普及读物。介绍了历代华服发展的大概面貌，以及其中的文化内涵，以供朋友们参考学习。书稿注意文字流畅，写出华服的美丽意蕴。华服是美术，必须有图才能感受到那摄人心魄的魅力。书中配有历代插图100多幅，包括十余幅彩图，以使读者获得直观的印象。相信本书会获得传统服装爱好者们的欢迎。

本书讲述了服装企业（之禾）成功的秘密。全书由之禾低调成功手册和舒适、环保、通勤--城市生活的永恒主题两部分组成。各章节通过采访之禾成员阐述了之禾在材料、工艺、及制作环节的品牌理念。

李红梅、杨挺著的《服装立体裁剪实训(纺织服装高等教育十二五部委级规划教材)》是一本服装设计实践类的书籍，主要内容有服装立体造型技巧、局部造型方法、整体应用实例、大师作品赏析等。本书共配有250余幅操作图，示范操作由浅入深，步骤详细，重点突出。本书内容针对的是服装设计专业教学的特点，即更加注重整体造型能力和材料运用能力的潜能开发，鼓励学生通过设计、材料、裁剪和制作等环节的实践，逐步掌握立体裁剪的思维方式和手工操作的各种技能，建立造型、材料和缝制间的相互联系，从而熟练地将创作构想完美地表达出来。 《服装立体裁剪实训(纺织服装高等教育十二五部委级规划教材)》既适用于各类高等院校服装设计专业的学生作为深入学习立体裁剪技能的实践教学环节实训教程使用，也适用于爱好立体裁剪的各类读者。

国际上关于服装结构的构成方法有两种：平面构成和立体构成。在企业的实际操作中常是两种方法的综合使用。目前常规的认识认为：平面构成方法（俗称平面裁剪）适用于通过操作者的逻辑推断或经验的借鉴，运用的制图公式或尺寸，能将服装造型（3D）转变为平面的服装结构图形（2D）的服装类型，一般来说这种服装类型应是有规则的，能用数学语言加以概括描述的；立体构成方法（俗称立体裁剪）适用于服装造型变化复杂（常为皱褶、垂荡、波浪、折叠等变化造型），或，是材料悬垂性、飘逸性良好而导致平面操作难度高的服装类型。由于这种认识的存在，加上两种构成方式的教学成本的差异，所以目前我国的服装构成教育模式基本上以平面构成为主、立体构成为辅，即在立体构成基础课中讲述服装原型及基本衣身平衡的构成原理，在立体构成应用课中讲述复

服装色彩是构成服装形式美的重要因素。只有了解色彩规律，掌握色彩搭配原理，在服装色彩设计中正确地运用色彩，才能使服装锦上添花，取得较好的视觉效果。本书综合了服装色彩基础理论，服装色彩的搭配原理、方法，服装色彩的实现与图案造型，流行色的特点、发展规律及服装色彩设计构思、灵感与创意等方面的内容，注重系统性、科学性及艺术性。 和其他同类书籍相比，本书在服装色彩与图案造型和服装色彩设计的灵感与创意方面的内容上选取了新的视点。强调图案造型和服装色彩的关系，更加注重色彩设计的实践性。并采用实例阐述、图文并茂的形式，使得本书的实用性增强，读者范围更加广泛。 本书可作为服装类高等院校色彩课程的教材，也可作为服装企业技术人员和服装设计爱好者自学的参考书籍。

于1993年开设的工艺美术专业高等教育自学考试，是适应社会需求，为艺术设计领域培养应用型专业人才的重要措施，也是多渠道发展高等艺术设计教育的一个重要组成部分。这种国家考试、社会助学、个人自学相结合的考试形式，受到社会的普通欢迎，在程度上推动和促进了工艺美术设计事业的发展。 从我国的社会需要出发，北京市高等教育自学考试委员会对自学考试专业进行了调整，更加科学合理地确定了专业培养目标和规格要求，在对原有专业的知识结构进行适当充实和更新的基础上，更加突出地强调了专业素质的培养，加大了基础课、专业基础课与专业课程的比例，突出地强调了专业技能的测试，使之更加贴近社会需求，更加富有时代气息，体现了造就和选拔新型专业人才的规格与要求。 为适应这一形势的发展，清华大学美术学院组织一批专家教授

本书是作者近二十年潜心研究原型法服装结构设计理论与实践的成果。本书内含七章，包括：服装结构设计概述；女装结构设计原理；女装结构设计案例；男装结构设计研究；男装结构设计案例；号型系列改革与成衣规格设计；成衣工业板型推板。对于原型法服装结构设计的理论与改革进行了较系统的阐述，并配有10余件产品案例，每件案例均有精美的效果图、结构图及10-16个号型的规格表。 本书适合高等服装院校的学生阅读，亦可人为服装企业设计、制板人员的参考书。同时亦是服装爱好者的有益读物。

郑小飞主编的《秋冬女装制版与工艺》把秋冬女装的产品分为女上衣、女风衣、女大衣及棉衣四大类，选取的款式基本涵盖了秋冬女装款式的变化要素。在项目设计上依据服装企业制版岗位的实际工作过程，完成从款式分析、结构设计、纸样制作、样衣制作等完整工作过程。 本书任务操作步骤规范，图文并茂，清晰易懂，同时细致讲解完成该任务所必需的知识，提高学生在秋冬女装制版上的实际应用能力。 《秋冬女装制版与工艺》适合作为高职院校服装专业的教材，也可作为服装从业人员的参考资料。

随着时代的发展，继承了千百年传统手工艺的文化精髓，成为中华民族传统文化的宝贵财富，它不但需要进一步的保护和发扬光大，更要进一步跟上时代的步伐。世界先进国家的艺术设计教学思想，在高校的学术交流中不断为我所用，从而加快了我国科教体系与世界先进国家的接轨，并促进了诸多艺术设计新学科的诞生。与此同时，艺术设计的基础课训练，也打破了以往的单调模式，针对各专业的特点将设计素描、设计色彩等新的基础教学直接运用到现代化的艺术设计课程之中。在材料应用的工艺训练手段和创意思维以及制作、表现等方面，一种更宽泛，更合理的教育课程结构日趋完善。总之，新课程从基础训练到专业设计大大加强了课程系统之间的互动联系，使现代化的高等艺术设计教学如虎添翼。 本书汇集了中国当代高等美术院校艺术设计学科精基教师的

本书撰写的时间较短，加之专业上也有局限。书中难免有瑕疵，敬请读者给与批评指正

本套从书共有六册，即《时装鉴赏艺术》、《服饰配套艺术》、《时装摄影艺术》、《服装制作艺术》、《时装设计艺术》和《时装表演艺术》。《时装鉴赏艺术》，讲述如何提高人们的肯装鉴赏水平，着培养人们的 服装审美能力。《服饰配套艺术的穿着等。〈时装摄影艺术〉，阐述了时装摄影的技 巧和流派，探讨了摄影与时装讲解，同时介绍了立体栽剪技巧及立体构成艺术。《时装设计艺术》介绍了时装设计形式与方法、时装造型手段与灵感、时装的流行与命名等内容。《时装表演艺术》，讲述如何培训时装模特，时装表演的要点，以及观众如何欣赏时装表演等。 本套丛书所述的内容，涵盖了服装界的大部分领域，较为全面地反映了服饰艺术的各个方面。各书又独立成篇，是各位服饰行家的力作，反映了服饰行业的成果。