如果我们还能从一百五十多年前莫奈的《日出》、梵高的《星空》中，依稀辨认出艺术 原来 的模样，那么，一百五十年后安迪 沃霍尔的金汤宝罐头、达米恩 赫斯特的腌制鲨鱼，还有翠西 艾敏乱糟糟的床，足以让我们看到艺术的其他可能。回顾现代艺术一个半世纪的反叛之路，我们见证了一代又一代人如何变得愈发反叛、大胆、混乱。这背后，是艺术家对 何为艺术 的无尽追问，是他们对周遭世界的回应与抵抗。现代艺术的故事仍在继续，也许永远不会完成。 艺术就像个游戏，你真正需要知道的只是它*基本的规则，从而让一度令人困惑的东西开始变得有意义。 威尔 贡培兹

本书主要介绍了当代西方各种文艺理论流派的缘起、特征、方法、发展等，简明实用，理论性、逻辑性强。自出版以来，已销售10多万册。在同类教材中，无出其右者。由复旦大学教授、中国著名文艺理论专家朱立元老师主编。

中国美术简史(新修订本)的前身《中国美术简史》系大专教材，由中央美术学院美术史系中国美术史教研室集体编写。原系主任薛永教授主持，原中国美术教研室主任李树声教授协助主持。1989年12月完稿，1990年9月由高等教育出版社出版。 1999年，由于《中国美术简史》深受社会欢迎，同时，距离*次出版已过去10年，为了反映10年来中国美术史研究的长足进步，满足读者的新要求，原书亟需增补新资料、吸收新成果、体现新认识，并修订疏漏之处，这一想法得到了中国青年出版社的支持，为此成立了《增订中国美术简史》编辑委员会，由薛永年、罗世平任主编、李树生、尹吉男、赵力任副主编，历时两年编写，增加了自古及近的书法篆刻内容、自1911年至1949年的近代美术等内容，增补了新发现、新成果和新认识，于2002年出版《中国美术简史》（增订本）。

本书所采用的研究方法，并非是目前在艺术史、艺术理论和艺术哲学等相关领域中占据主流地位的还原主义（社会语境论）论调和文本分析方法，而是一种由克劳瑟教授提出和发展的、融现象学与分析哲学于一身的分析现象学方法。这一方法的关键在于审视视觉艺术是如何将独特的审美表达，与那些对我们的感知活动而言具有基础性的认知属性相互联结的。 同时，本书对这一方法的运用，揭示了各异的艺术媒介是如何通过各不相同的方式呈现这些认知和审美属性的。基于对所有主要的视觉艺术形式（绘画、雕塑、建筑和摄影等）的创作和接受的考查，本书也试图彰显包括抽象艺术、观念艺术和数字艺术等非常复杂的艺术风格所蕴含的深意及其具有灵韵的审美特质。

《千年之色》是日本 染匠吉冈幸雄的生活文化随笔。吉冈幸雄结合自己染色工作的相关领域、所在地京都的风土，以及日本的传统生活与文化，阐述了自己对染布工作的认识与心得，从中创造出自己的“人生观、价值观”——“温故而知新”，并从自然与传统植物染中悟出一种“尊和”“学古”“敬畏”“传承”的工匠心得。吉冈在书中穿插了自己过往生活片段与趣味故事，让我们在了解植物染色的相关知识与传统文化的同时，也着实能强烈地感受到作者对生活、对自然的那份感恩与珍惜。

我能想到的*的幸福莫过于头脑清醒，奇迹发生时知道它在发生。我能想到的*真实的生活，莫过于活在当下、喜欢当下并为之欢呼的冒险生活。 从构图到调色板，从委拉斯开兹到惠特曼，从巴黎岁月到对 我的人民 的追寻，在《艺术精神》中，美国新现实主义绘画之父罗伯特 亨利用简洁而诗意的语言书写了其绘画理论和艺术哲思。这些并不是对系统的技法和理论的探讨，而是由亨利的信件、论文、讲课内容，以及学生的课堂笔记汇集而成的小书，全书通俗易懂，却处处闪现智慧光芒，直击心灵。本书自1923年出版以来，在美国弥久不衰，成为众多艺术大家的灵感来源，至今仍被视为艺术爱好者的书目。

在21世纪的第二个十年,后资产阶级的衰败 终以经济黑洞的方式成为现实。一台排水泵开始吞噬并毁灭两百年来勤劳与集体智慧的产物,将社会文明的具体现实转化为抽象的事物——数字、算法、 的暴行和虚无的积累。历史已经被无尽的、流动的碎片化影像的重新组合取代。然而,一种新的研究形式正在出现,艺术家正在寻找理解这些变化的共同出发点。 黑特·史德耶尔无疑是这一潮流中 代表性的艺术家和写作者之一。本书是史德耶尔的一部代表性研究文集，围绕作者在艺术创作和写作里稳步推进的一种强力影像政治，收录了其近年来发表的多篇里程碑式的文章，包括名作《自由落体:关于垂直视角的思想实验》《为弱影像辩护》《博物馆是工厂吗？》等。这些独树一帜、洞察力犀利的文字反映了作者对数字影像、博物馆、电影院甚至垃圾邮件等现象的思考，以及对社

工艺是什么？它与美术或设计有何不同？在本书中作者通过将手工陶瓷、玻璃、金属制品、编织品和家具与绘画、雕塑、摄影作品以及从包豪斯到孟菲斯集团的机械设计进行比较，探讨了以上这些问题。作者把工艺描述成独一无二的混合功能，它更深刻地表达了超越文化、时间和空间的人类价值。作者认为，工艺必须明确自己在当代社会中的角色，否则，它就会被美术或设计所吸收，那么它理解世界的独特方法就会消失。在如今大量称颂艺术而漠视工艺的氛围下，作者大胆地为工艺发声，重构人们对工艺的认识，并致力于提升工艺的地位。 本书为 当代学术棱镜译丛 视觉文化与艺术史系列 其中一本。 《当代学术棱镜译丛》自2000年以来，已译介百余部域外学术佳作。复合光通过 棱镜 便分解成光谱，丛书以 棱镜 为名，意在通过所选篇什，折射出国外知识界

本书为美国知名德勒兹专家罗纳德 博格关于德勒兹的系列专著之一。全书分为音乐、绘画和艺术三部分。*部分的三章先是概述德勒兹与瓜塔里有关宇宙音乐的论述；接着重点分析了法国音乐家梅西安等人的作品, 以此阐释德勒兹有关解域叠歌的思想；*后从音乐动物行为学、生物学和生态学角度考察音乐和艺术的关系。第二部分转而探讨绘画艺术的问题和母题，指认德勒兹将绘画的问题建构为解域面孔-风景。作者重点阐释了面孔-风景这一概念，并以弗兰西斯 培根、塞尚、凡 高等著名画家的画作为例，指出画家的任务是打破面孔性的模式，脱离现行符号的控制，捕捉贯穿面孔、身体和风景的不可见的变形力量。第三部分即第七章对德勒兹《什么是哲学？》一书中的艰涩段落进行了推测性的解读。

打卡过万众瞩目的艺术展，就以为自己欣赏到了传世名作的精妙；去米其林餐厅大快朵颐，就以为自己获得了舌尖上的极致享受；对网络上的热门事件津津乐道，就以为世界尽在掌握。我们不知道的是，随年岁渐长，我们逐渐失去了自己的视角和思维方式。 毕加索说： 每个孩子都是天生的艺术家，问题是如何在长大之后仍然保持这种天赋。 美术如何悄然从孩子们喜欢的科目，逐渐变得无足轻重，直到远离生活呢？这个节点是在13岁左右 人们开始关注自己画得好不好，因为受到打击而与艺术绝缘。 作者精心挑选6幅现代艺术的代表作，提炼出艺术思维的本质：以自己内在的兴趣为基础，用自己的视角理解世界，按照自己的方式不断探索。 艺术思维才是成年人应该重修的科目，幸好，艺术思维并不难得，那是人类天生的思维方式，我们只要重返13岁，重拾好奇心和

贾科梅蒂（Giacometti，1901 1966）是瑞士存在主义雕塑大师、画家，代表作品有《超现实表》《笼》《鼻子》等，集中反映了第二次世界大战之后人们心理上普遍存在的恐惧与孤独。本书是法国作家本 杰伦为著名艺术家贾科梅蒂所写的评论。本 杰伦结合其关于单人道的童年记忆来理解贾科梅蒂雕塑作品的形式特征，并通过对其生活经历的细致观察来体悟贾科梅蒂雕塑中蕴含的丰富的人文关怀。此外，本 杰伦还对贾科梅蒂的画室进行了探访，在展示艺术家生活和工作环境的同时，揭示了其精神深处的孤独与创作理念。

《艺术的共谋》收入了让 波德里亚关于当代艺术的重要文章和发言，包括《审美的幻觉与幻灭》《艺术的共谋》，其后期重要的社会学长文《沉默大多数的阴影》，长篇访谈《忘记阿尔托》，以及一组对波德里亚的访谈。涉及幻觉艺术、濒临灭亡的艺术、电影电视等，并对《黑客帝国》、蓬皮杜艺术等做了哲学化的分析。他认为当代艺术已经进入审美幻觉幻灭、充满冷漠的暴力和垃圾繁殖的阶段。

在本书中，奥尔布赖特聚焦于诗、画、乐三门主导性艺术，从哲学的高度直击艺术的核心问题：艺术是 一 还是 多 ，即艺术的统一性和多样性的问题。西方艺术史上，关于艺术统一观和艺术分裂论的纷争由来已久。奥氏就艺术的本质、艺术的功能、艺术品的意义、艺术品与艺术史之间的关系四个方面加以具体考查，并答曰：艺术既是 一 ，也是 多 。 欧美学界研究诗画关系或诗乐关系的不乏其人，像奥氏这样能在诗、画、乐之间穿梭自如且批评视野如此宽广的并不多见。本书既有哲学层面的宏大思考，又有具体的逻辑论证和细致的文本解读，还配有多幅精美的插图，对比较文学、艺术史和跨艺术诗学研究有重要的参考价值。

由英国威尔·贡培兹所著、王烁和王同乐共同翻译的《现代艺术150年（一个未完成的故事）》一书涵括近百位艺术家及其代表作，梳理二十多个现代艺术流派的渊源流变，勾勒现代艺术的发展历程。一位 艺术评论人的“单口相声”，现代艺术也可以这样有趣生动。没有抽象的概念，没有拗口的术语，用轻松幽默的方式，讲述现代艺术的故事。

守望者 形视 系列：凝视图形，思辨艺术 勒内 弗朗索瓦 吉兰 马格利特是比利时著名超现实主义画家，画风带有明显的符号语言。他的作品真实地表现日常场景，不作变形歪曲，但事件与细节的意外组合，产生奇特怪诞的神秘意味，如同睡眠中醒来一瞬间，在不清醒状态下所产生的错幻视觉，具有超凡的想象力，形成了超现实主义绘画中独具一格的画风。本书是马格利特的艺术评论集，作者以深刻的洞察力对马格利特的代表性作品进行了富有创造性和启发性的评论、赏析，同时也对超现实主义在当代的影响和意义进行了清晰有力的阐释。

《葡萄柚》是小野洋子关于音乐、绘画、诗歌、电影、艺术作品的声明及阐释，是她极具影响力的代表文集。其中记录了小野洋子艺术观念的形成、发展及多种艺术形式的发展脉络。 几十年来，小野洋子的作品一直忠实于她的艺术理念。她将艺术创作的重心放在通过艺术传递信息，引领观众获得精神上的感悟。她试图改变人们惯常的成见，打破人固有的思维方式，让人们从新鲜、有趣的视角反思并审视艺术与生活。

重磅推荐： 《不是天才-当代艺术家们的故事》是苏也讲解当代艺术的作品，作者以一种直观的理解，带我们走进当代艺术深处，理解当代艺术存在的争议却又不断受到赞誉的背后故事，也希望本书能够成为当代艺术话题的开头，引发每个人的关注与思考，为对当代艺术抱有兴趣的读者提供一份直观的当代艺术观看指南，吸引更多的人对当代艺术产生兴趣及好奇心。 作者对当代艺术的解读并不仅仅局限于理论，更有参加过多次迈阿密巴塞尔艺术展及参观各地的博物馆、美术馆和画廊的直观感受。通过阅读本书，你将了解当代艺术的生命是由每一个人创造的，包括艺术从业者，更包括普通人。当代艺术家不仅要记录新的时代，更需要使用新的技术、新的语言、新的手段去表达和再现我们生活的世界。

《中国美术简史》(增订本)内容包括：史前及先秦美术、秦汉美术、魏晋南北朝隋唐美术、明清美术、近现代美术。《中国美术简史》(增订本)21万字，图三百余幅，简明扼要，以中国美术发展的阶段性为纲，以各美术门类在同一时期的演讲为纬。注意了四个结合：普及中国美术史基本知识与反映近期新研究成果相结合，呈示中国美术各门类的发展演变与阐述重要的美术现象、美术流派、美术家和美术作品相结合，显示中国美术的自身发展与揭示美术同政治、经济、文化、宗教等相关因素相结合，运用翔实的文献资料与使用可靠的美术文物（包括新发现的重要作品）相结合。

《艺术的真谛》是一部理论性的艺术史概论，侧重阐述古今中外不同时期和不同流派的艺术特点、价值与鉴赏方法。此书行文流畅，观点明确，言简意赅，可读性远超同类书籍。基于跨文化审美视野，本书作者对非洲原始艺术、中国古代艺术和西方古典艺术的分析评判，在专家和读者中享有广泛影响和较高声誉。对于从事或喜好艺术创作、艺术理论与艺术审美的读者而言，这是一部有助于登堂入室的普及读物，故此在国外发行甚广，在国内口碑甚佳。作者赫伯特 里德（Herbert Read，1893-1968）：英国诗人、艺术批评家和美学家，英国美学学会主席，1953年被授予爵士。

《中国艺术常识》主要讲述中国绘画、书法、篆刻等艺术形式的传承与发展，介绍了历代名家及其代表作风格特点。此外，本书还收录了李叔同先生关于音乐、戏剧、美术和广告等方面的杂谈，内容丰富，妙趣横生。书中还配有大量国画、书法、篆刻名作，让读者在欣赏文化艺术瑰宝的同时，领略华夏美的历程。

《艺术哲学新论》是美学哲学家杜卡斯的代表作，其审美自由主义学说在西方具有广泛影响。总体而言，艺术哲学是关于艺术和审美对象的批评理论。审美对象是审美静观和体验的对象，在范围上要比艺术领域更为广泛和多样。艺术是一种人类活动，一种产生艺术品的人类艺术活动，而并非一项旨在创造美的活动。艺术是情感的语言，艺术品是情感的对象化。若承认艺术是情感的语言，就务必承认艺术是情感的表现，而不是情感的交流。从实践角度看，艺术是一种需要特殊技能的活动，既不是职业，也不是游戏，而是自我及其情感的对象化或客观表现。在审美判断或艺术鉴赏方面，杜卡斯秉持一种审美自由主义的立场，坚持认为间接价值判断有可能予以证实，而直接价值判断则无法予以证实，因此也没有任何客观效力。在审美心理方面，杜卡斯着重分析了三种型态

美国*争议的艺术评论家 《致命的海滩》作者罗伯特 休斯，以热爱与憎恶交织、才智与权威并存的眼光审视16世纪罗马至20世纪80年代苏河区的艺术品、艺术家以及艺术界。 罗伯特 休斯打破偶像、绝无虔敬、热情洋溢、学识渊博，被认为是美国*艺术评论家，也是我们这个时代少有的几位伟大的艺评家之一。休斯在这本评论集中，对形形色色的艺术家提出了绝不妥协的观点，如霍尔拜因与霍克尼、约翰 辛格尓 萨金特与弗朗西斯 培根、洛克威尔与毕加索、华托与沃霍尔，等等。 休斯涉笔成趣、新鲜生动、极善表达，以几达百篇*秀的散文唤起并界定了一系列艺术家的世界、作品和本质，并使之能为我们所了解，而且他敢于当头面对艺术与金钱这样一个命题。

观看先于言语。观看确立了我们在周围世界的地位。他人的视线与我们的相结合，使我们确信自己置身于这可观看的世界之中。而当图像终于取代文字，充斥于视线所及的一切空间，我们又该如何观看而不致再度迷失？ 约翰·伯格编著的《观看之道》论及机械复制时代的艺术品、女性作为被观看对象、油画传统、广告与资本主义等方面，配以两百余幅经典图像，与BBC同名纪录片一起，改变了西方一整个世代的观看方式，也必将适用于如今大大小小的手机屏幕和街边广告牌。从对视觉文化的深入探索和普及的角度而言，本书亦可与贡布里希爵士 杰出的著作互为补充。

《鉴赏力批判》作为德拉 沃尔佩的美学代表作，是20世纪美学发展历史上的重要转折点之一。该书在倡导一般艺术的历史唯物主义理论立场的同时，反对普列汉诺夫和卢卡奇的社会学还原论，批驳克罗齐和新批评的形式主义非理性论，彰显概念意义与审美效应之间不可分割的内在联系。为此，作者整体性角度出发，在重新评价艺术品时， 一方面参照较为基本的认识论原则，侧重分析该原则与人类所希冀的科学或道德秩序的本质联系，另一方面依据较为专门的技术性原则，侧重揭示该原则与艺术特有的语义层面的密切关联。在诗歌鉴赏方面，本书着力推举社会学方法和社会学诗学。在当时，社会学方法具有拨乱反正的作用，有助于抵制、平衡和补充流行的结构主义和语义学诗学理论，有助于将读者的目光从穷究文本的字面含义上引向探寻其深远的历史背景之中。与

在我们的生活中，没有什么现象比艺术更不可避免，然而，几乎没有比 艺术 本身更难以捉摸的概念。那么今天的 艺术 是什么样的？它的命运将走向何处？本书批判性地介入了一系列当前关于艺术观念的争论 揭示那些在通常的讨论中缺失或未提及的东西。 学界往日所揭示的传统艺术思维很大程度上是基于对其历史的误解，本书作者普雷齐奥西和法拉戈呼吁从哲学、文化和政治的角度，对这个主题及其与当今世界的关系进行彻底的反思。作者探讨了各种各样的问题，包括艺术的危险与视觉的陷阱、蒙蔽我们的框架、对艺术代理的解构、当地艺术和全球的交集，以及商品化艺术的艺术性。具有挑衅性和开创性的是，本书将重塑关于艺术在当今世界的性质、意义和 最终命运 的传统假设。