本书从原始社会的陶器说起,内容涵盖了陶器、玉器、青铜器、草书、行书、山水画、工笔画等多种中国特有的艺术形式,时间跨越了秦、汉、唐、宋、元、明、清、近代等多个时期。 意公子用她独有的视角,以时间为写作脉络,通过我们耳熟能详的艺术珍品串联起了这波澜壮阔、脉络纵横的艺术历程,配上简洁生动幽默风趣的语言和丰富精美的图片,带领读者重现认识中国艺术的发展脉络,体会中国艺术的精神内涵,感受中国这片土地独有的艺术色彩。
这本书不同于你所理解的美术馆馆导览,更不是枯燥无味的艺术图解,在书里,作者依照自身判断和私人回忆,收集并回味了过去在美国的7座城市所拜访与学习过的 14 座美术馆。作者从大众生活角度,聚焦美术馆,结合日常生活、人文和地理、过去与未来,分享了多年来在美术馆中感受到的东西 人类智慧、时代勇气与艺术之美。身处美术馆内的我们,时常会在图文信息的茂密森林中迷失方向,而本书无疑会成为一盏温暖的明灯,为普通人点亮去往艺术世界的道路。
首先,我代表中国美术学院,祝贺考古与艺术史的交汇——国际学术研讨会的召开,并向来自中外学术界的学者、朋友们致以深深的敬意。 考古与艺术史是两门不同却又相亲的学科。两门学科在学科关注目标、体系建构和一些基本方法上判然有别,但在资源和成果方面有许多共享的地方。它们共同摄入的领域有田园考古,有文物、器物、图像和文字的研究,有相关文献的研究。它们之间彼此错叠,又彼此交融的状况,正好构成了我们人类与自身历史的千丝万缕的联系网。这种联系的网络承接着我们对于历史的研究和认知;承接着我们对于历史研究的姿态和不同的思考;承接着史学研究的不同体系和方法,并与自我文化发展模式及活化的传统等根源的问题相关联。 正是由于考古与艺术史研究的深刻关联,以及今日时代视觉文化研究所面临的深刻的转型。去年10
本书以西方美术的发展脉络为主线,讲述了从史前艺术、古希腊罗马艺术、中世纪艺术、文艺复兴、17、18、19、20世纪欧洲艺术的主要流派。以通俗易懂的方式讲述了西方美术史。
丹 格雷厄姆的艺术作品和批评写作对二十世纪下半叶当代艺术的进程拥有巨大的影响力。《摇滚我的信仰》从格雷厄姆各个时期的作品中精选18篇文章,从关于极简主义艺术家如丹 弗莱文、唐纳德 贾德的评论,到关于朋克摇滚和流行文化的文字,到晚近关于建筑、城市空间与权力的思考。在这些论述之间的,是格雷厄姆本人作品的描述和记录。
本套书的注释分为两种:交代出处的注释和说明性注释。交代出处的注释分为两种形式:随文注和页下注。随文注只注书名、卷次或篇目名。为避免重复起见,交代出处的页下注相同的参考文献首次出现时标注版本全信息,再次出现时只标注书名、出版年和页码。考虑既要尊重原文献又为了方便读者使用,本书引文尽量忠实原作。繁体字、异体字则根据《现代汉语词典》转换成相应的简化字,古字、原文献中错别字、衍文、漏字或需要补充说明的文字则加按语放在括号内,文字较长的放在脚注里。
《文艺复兴时期的意大利艺术》打破了传统上对文艺复兴的神话阐释,从宝石、青铜、石材、玻璃等创作材料与壁画、版画等创作手法开始,切实再现了那些辉煌艺术品的制造过程;此外,作者还带领我们窥探了艺术家行会及各工作室之间的激烈竞争或亲密合作,解读出艺术家与赞助人之间复杂的利益纠葛,还原出当时的观众会在何时何地消费艺术品,以及这些艺术品又是如何满足了皇亲贵戚、宗教权威与政府显要的私心目的,让我们看到了在文艺复兴时期的意大利,围绕在艺术周围的真实人性。
本书在审美现代性视域下考察西方现代艺术观念的逻辑进程。全书共分五部分,分别论述“现代艺术”观念的生成、审美伦理的职业化、审美化生存、审美本体论的社会批判、“现代艺术”观念的消散等,精英化艺术观念最终皈依于世俗社会、日常生活。与这最后一道程序相适应的其他艺术观念,或许已经悄然登场。
苏立文院士关于中国艺术史的集大成之作。通过梳理远古、先秦、秦汉等历朝历代直至20世纪的中国艺术,将中国艺术的不同门类--建筑、雕刻、绘画、陶瓷等在不同时代的表现形式及特点清晰、细致、全面地展现在读者面前。
刘锋编写的《海派艺术家具发展典籍(精)》是国内 本专题详尽描述海派艺术家具成因及发展历程的著作。本书系统地总结了中周近现代家具的起源、发展、艺术成就和社会历史价值,详细阐述了一个完整的理论体系,以深入解读中国海派近现代家具的设计特点、成因、工艺特点及在特定的历史时期形成的独特的社会艺术价值。书中 展现了中国20世纪二三十年代许多家具设计大师们的手绘稿真迹,许多珍贵的历史资料及图纸也是 次整理发布。本书可以作为高校家具专业及家具史学家的研究资料和上海的文化发展脉络传承的档案资料,也可以作为家具收藏家及家具设计师、室内设计师的参考资料。
《图像与意义:英美现代艺术史论》是作者继《20世纪艺术批评》出版13年后,进一步深化、细化现代艺术史论研究的成果。在独立或合作翻译欧美艺术史经典12种的基础上,作者广泛搜求,剔抉爬梳,将原作的学术渊流、内在理路、方法新变以及后世接受等,简洁明快地呈现出来,堪称十年磨一剑的佳构。 除勾勒英美现代艺术史论基本地形图的“导论”外,本书主体部分由罗杰·弗莱、格林伯格、施坦伯格、夏皮罗、T. J. 克拉克、乔纳森·克拉里等6个专题组成,涵盖了现代艺术史写作中的形式主义、现代主义、现代图像学、精神分析、艺术社会史与视觉考古学等重要理论和方法。
相较于1945年前的经典现代艺术,西方当代艺术呈断裂式的推进与革新之势,以更激进的形式、更前卫的理论探讨艺术与现实、艺术与感知、艺术与身体等话题。当代艺术瓦解了绘画、雕塑、摄影的传统分类,打破了高雅艺术与低俗艺术之间的界线;借助新的材料、媒介或技术拓展“艺术”概念,扩大造型艺术的边界,重新定义艺术创作者与艺术接受者的角色,通过不断挖掘自身潜力和开拓新的表现领域,积极回应一再出现的艺术终结论,呈现出蓬勃生机。与本书上卷的写法不同,下卷在谋篇布局上独具特色,以实验型艺术家个人所提供的创作个案为中心来展现当代艺术的跨界趋势。乌尔里希·莱瑟尔、诺伯特·沃尔夫著的《二十世纪西方艺术史.下卷》的另一特色还在于诺伯特·沃尔夫著述的建筑部分,对当代建筑的系统梳理占全书篇幅的四分之一。本卷主要部分聚
辻惟雄著的《图说日本美术史》是日本美术通史的里程碑之作,探索了自绳纹时代以来直至现代的日本美术发展史,跨越了一万数千年;涉及领域从传统的绘画、雕塑到工艺、建筑,包括近代以来的摄影、设计、漫画等,可谓包罗万象。 作者对以往所谓的标准型日本美术史提出了质疑和挑战,试图运用不同于西方美术史研究的方法论来诠释。全书贯穿了作者对日本美术特质的精辟概括:即“装饰性”“游戏性”和“万物有灵论”。“装饰性”具有广泛的通融性,使得日本美术形成了不同于西方的概念;“游戏性”揭示出日本文化与游戏之心的深层关系;“万物有灵论”则代表了日本人崇尚自然的精神世界。这三种特质跨越了时代和领域,可以说是理解日本美术魅力的金钥匙。 全书包含近四百帧的彩色图版,深入全面地展现了日本美术的特质。
本书结集的48篇论文,原刊于1986年至2006年的《新美术》。这些论文阐述了美术史与人文学科的互动关系、图像证史的理论与方法、中外艺术史学的发展,以及欧美艺术史的现状与趋势。世界学术领域发展表明,艺术史自19世纪以来已成为人文学科中不可或缺的组成部分,这些文从不同的视角说明,美术史的研究不仅没有充当其他人文学科的配角,而且为整个人文学科提供了新工具,提示了新层面。瓦尔堡和潘诺夫斯基运用图像解读艺术深层的思想和文化涵义,其图像学方法开启了现代符号学研究;沃尔夫林的形式分析为文学和音乐研究提供了新的分析和描述模式;贡布里希的艺术心理学研究给现代科学带来了新的启示。
从静谧的隐修之地到愉悦感官的尘世乐园,从彰显皇权的宏伟花园再到19世纪的大型公园 庭园与花园一直是园林艺术中不断进化的 建筑生命体 。它们不仅充当着人类文明的背景舞台,更将自身融入了无尽的人文想象,化身历久弥新的传奇象征。 意大利建筑史学家露琪亚 伊姆佩鲁索(Lucia Impelluso)在380多幅精妙的绘画和手稿中寻觅线索,为大家编织出一场庭园艺术的解码盛宴。这些真实存在或虚构中的著名花园由无数符号和象征元素构建而成,折射着数百年来人们的审美旨趣。 《艺术中的庭园与迷宫》可分为两个部分:在前五章中,作者悉数了历史上拥有独特生命力的花园类型;在随后的章节中,她聚焦于花园中反复出现的各种元素,以优美的文字和丰富的典故,为读者揭示了它们具有的文化内涵和象征意义。