20世纪艺术样式中发展*快的，大约要数剛刚诞生的电影和电视，即人们通常所说的影视艺术。与影视艺术迅猛发展相适应，影视教育成为艺术教育的重要内容．《影视艺术学科基础教程系列》正是北京师范大学艺术系为影视专业教学设计的一套系统教材。 艺术陪伴人类度过*初的蛮荒岁月，成为人类的精神家园和灵魂栖所。它是人们美的理想的凝聚与自由的象征。艺术属于大众，属于社会的每一个人。艺术来自于民间，也生长在民间，它的*使命在于为大众服役。 影视艺术是*年轻的艺术样式，它凭借现代科学技术成为传播*广泛的一种现代艺术媒介。没有电的发明，没有光波、声波技术的发展，影视艺术也就无从谈起。同时，影视艺术也是现代工业的产物，它的发展离不开工业体制的运转。因此，它是一种不同于任何古老艺术样式的新型艺术。学习影视

只要意识到有观众在看，人一般总会自觉不自觉地设法控制自己的行动和表情，目的都是给予看的人某种预期的印象，这就是进入了表演的状态。不同于艺术表演，社会表演多半是每天经常性进行的日常活动。 社会表演学是由本书作者在1999年首次提出的新概念，是指舞台和摄像机镜头之外的表演。社会表演学研究的主要对象就是人的行动的范本，研究如何在尽可能避免冲突的情况下，让社会角色用不断发展的行动来达到自我实现。

《什么是电影叙事学》是法国和加拿大著名的电影理论学家所著的有关电影叙事理论的著作。 《什么是电影叙事学》论述清晰、深入浅出，是电影叙事理论研究的入门著作，主要阐述了电影与叙事、陈述和叙述、词语和画面、电影叙事的空间、叙事的时间性与电影、视点等六部分的内容。既关注电影语言的特殊性，又关注为分析电影叙事提供所需工具的必要性，在运用热奈特创建的主要叙事范畴（时间、叙述、视点）时，加入了文学叙事学未探讨的一些特殊问题，例如有关画面/声音的关系、有关电影的空问。影片由于表现材料的多样化，比小说具有更多的复杂性，因而，《什么是电影叙事学》不是将文学叙事学简单地用于电影。大多数概念根据电影符号学的观点重新作了思考。 《什么是电影叙事学》能够对国内电影叙事学的发展有提供帮助。

电影是什么？ 电影就是现代的世俗的神话 这是《世俗神话：电影的野性思维》一书的别具一格的回答。本书是匈牙利剧作家伊芙特 皮洛（Yvette Biro）电影理论探索与创作实践的结晶，启发了许多后来的电影研究者。全书尝试从心理学、美学、哲学、神话学、社会学、人类学、精神分析学、结构主义符号学的视角探讨电影媒体的特征和本性，提出了一系列涉及电影创作实践的新颖命题，有助于激发读者深入认识电影的理论和创作风貌，开拓电影思维和体验电影创作的审美品格。

嗨，各位影迷，准备好让你的电影知识焕发新的光芒了吗？这本书将带你踏上一场关于电影的奇妙之旅！ 本书将带你一次性了解影史上各种有趣又硬核的故事。全书共由三部分组成：第一部分为 电影硬知识 ，介绍 黑色电影 电影剪辑权 音乐剧电影 歌舞片 等概念，盘点影史上由多位导演共同执导的影片，梳理英雄电影的剧本套路等；第二部分为 电影冷知识 ，盘点只有一个镜头的电影、只有一部佳作的导演，介绍了电影中广告的发展史、电影配乐相关的知识等；第三部分为 电影趣知识 ，盘点影史上知名的三部曲系列电影，介绍硬科幻与软科幻电影的区别、爆笑的电影译名等知识。 本书图文并茂，内容生动有趣，适合广大影迷阅读。

《2001：太空漫游》《发条橙》《闪灵》等经典影片的导演斯坦利 库布里克，已被公认为世界电影史上伟大的导演，而他作为电影改编者的身份却未得到充分关注。 在库布里克从影40余年留下的13部故事长片中，11部由他从文学作品中选择进行改编。对他而言，改编不仅仅是一种取材方式，更是一种传达寓言式阅读体验的表达策略。 本书围绕剧本手稿、笔记、信件等大量中文学界未曾披露的库布里克手材料进行研究，探讨库布里克电影改编观的形成、特征、意义，提出库布里克的电影改编以寓言方式对20世纪中后期以来愈演愈烈的再现危机、叙事危机做出回应，不啻为对人类现实困境的有力反思和追问。 本书融合电影史学、跨媒介理论、文学阐释等理论，为库布里克电影研究打开了新的思路，也为电影与文学的关系研究提供了新的视角。

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《雕刻岁月：艺术电影与民族经典》集中探讨欧洲（包括法国、意大利、英国、德国以及欧洲其他地区）、日本、俄国、拉丁美洲、澳洲等国家和地区的艺术影片，如《四百击》《绿光》《莉莉 玛莲》《谁在那儿唱歌？》等，不仅介绍影片的内容和主旨，更进一步评述电影导演的师承和风格，尤其是不同国家和地区在新浪潮电影运动中以及之后的表现。这些影评倾注了作者对电影极大的热忱，也可以看出其观看、研究电影的观念与轨迹。

本书在对电影与意识形态的关系的全面思考的基础上，试图通过深入分析众多案例来揭示 同一个电影 美国电影。作者深入而细致地分析了美国电影如何呈现美国的意识形态。本书选取了诸多经典的电影作品，并从文化研究的角度，揭示了意识形态对好莱坞电影文本的强有力的影响。虽然意识形态问题与电影的品位无关，却关乎政治，作者选择将好莱坞电影与美国意识形态联系在一起，目的并不是要将某些流行影片妖魔化，而是旨在呈现这些流行文化产品的复杂性及其所代表的意识形态话语。

本书是电影编剧的教材，自1982年首版以来已被译成二十四种语言，为超过四百所大学所选用，具有极高的可读性和实用性。悉德·菲尔德从好莱坞剧本佳作和他本人“阅本无数”的审稿经验中，锤炼出剧本写作的基本要素和有效结构，如开端、中段、结尾，建置、对抗、结局，以及如何用情节点的“钩子”挂住故事线，利用偶然事故、情节、大事件塑造人物，推动故事向前发展。书中还介绍了基本剧作格式、怎样与他人合作写剧本、怎样改编等，借鉴了许多编剧大师的创作经验。新版本中作者修订了大量内容，增加了一批更为当代观众所熟知且更风格化的片例。

本书主要有 互联网 时代的影视产业、影视投融资新模式与风险防范、影视基地、横店模式与无锡模式、影视(特色)小镇、影视市场与营销、影视动漫产业、影视衍生品与影视周边、影视专业教育与人才培养、影视企业的运营管理等十讲内容。每一讲的内容都是在普及基本知识的基础上，有针对性地选择一些具有现实意义的问题进行探讨，既有现实观察，也有一些深层思考。本书可以作为影视类专业本科生、戏剧与影视学专业硕士研究生、文化产业管理专业本科生及硕士研究生的专业参考书，也可以作为影视产业相关从业者的指导性职业参考书。

中国抗日战争时期，中日两国的电影文化之间有着错综复杂的联系。本书运用详实的史料，深入阐述了两国交战时期日本本土的电影生产，日本占领下的上海、华北的电影制作，以及上述影片如何在中日两国电影市场被消费和接受的情况。本书还对日方的川喜多长政、岩崎昶、筈见恒夫、辻久一、清水晶，中方的张善琨、卜万苍、马徐维邦、朱石麟等电影人的言论、史迹进行了较为深入的分析解读，以此呈现战争时期中日两国电影文化既彼此冲突又互动影响的复杂关系。 本书荣获2010年度日本艺术选奖（评论部门）文部科学大臣奖，在日本电影学界具有重要影响。它超越了中日两国各自的电影史界限，填补了电影研究领域长期以来少有人触及的空白。

安东尼奥·蒙达编著的《莫里康内(50年一瞬的魔幻时刻)》记录了2009年至2010年作者对莫里康内的十五次采访：以家庭及成长历程为起点，谈及莫里康内从纯音乐转向电影配乐创作的过程，对其他音乐大师的评价，以及2009年在上海世博会上的演出经历；细数与众多电影大师的长期交往与合作，担任戛纳和威尼斯影展评委的感受；还聊到了音乐之外的足球与 象棋、 与政治等。莫里康内毫不掩饰自己的好恶， 不避讳敏感话题，坦诚陈述很多不为外人道的珍贵回忆与电影界重要人物的逸闻趣事。 此次简体中文版特别附上 为详尽的莫里康内电影配乐作品年表，及其在法国音乐电台的重要访谈，其中主要涉及与大导演莱昂内和托纳托雷的合作细节。

看了这么多漫画，你是不是也有一种创作一个故事的想法？如果您是新人漫画家或漫画编剧，如果您是对漫画创作具有好奇心的读者，如果您的脑海中有了一个模糊的故事雏形，却不知道如何把它具象化……这本书就是为你而写作的。 本书是针对编剧爱好者和编剧新手的经典入门教程，作者从他丰富的写作经验和教学经验出发，聚焦漫画创作的编剧部分，从漫画编剧的入门事项、漫画编剧的原理、漫画编剧的立项准备、漫画角色的设计与塑造、漫画编剧的编排技巧、漫画编剧的监修原则等六个方面剖析了漫画编剧的案头工作。书中的文字讲解深入浅出、寓教于乐，具有较强的实用性和可操作性。 本书图文并茂，结构清晰，不仅适合动漫爱好者、插画爱好者，以及相关专业的学生和工作人员阅读，也适合作为动漫相关专业的培训教材。

本教材为修订版，大量吸收近年来国内外美学理论的新成果，兼顾学术前沿性与教学实用性，留有相当的余地以供任课老师发挥和学生思考，使之更好地服务于教学。可作为戏剧与影视学类、传播学及相关专业本科生使用教材。

陈世明和彭怡玢和戴力芳和朱湘云编著的《儿童戏剧的多元透视》中关于创造性戏剧教育课程新模式的研究和 闽南文化在儿童戏剧教育课程中的应用研究 ，在中国大陆应为首创，值得进一步探究和在应用上推广。 闽台儿童戏剧教育发展背景比较研究 则能提醒我们整个社会进一步关注儿童戏剧文化和戏剧教育发展命运，敦促我们从政府有关部门艺术教育政策的制定、社会的支持力度、家长的参与度、课程的改革、师资的培养等方面重新做出思考并予以高度的重视。